Fotografía | Revista .925 Artes y Diseño | Página 2

Revista de la Facultad de Artes y Diseño plantel Taxco

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Cómo mirar el cielo

CUT Cartel Como mirar el Cielo

Por Eduardo Álvarez del Castillo Sánchez.

El cielo –también nombrado históricamente como el firmamento, el espacio, el universo, el infinito, el éter o la bóveda celeste– se muestra como una intrincada construcción ante nuestros ojos y cuya comprensión ha tomado al ser humano milenios en adquirir, a pesar de ello, somos conscientes de que apenas palpamos la orilla de mares insondables. Para los griegos el Cosmos significaba ordenación, belleza y decencia, de este modo todo era perfección en él. También concebían que el Sol, la Luna y las estrellas se comportaban impecablemente aparentando siempre moverse en círculos perfectos en torno a la Tierra.

Cartel Como mirar el Cielo

Desde el Renacimiento todo ello fue cuestionado por diversos astrónomos, aun a costa de su integridad: Nicolás Copérnico en 1543 cuando pronunció que el Sol era el centro del universo y no la Tierra; Giordano Bruno, quemado en la hoguera en 1600 por sus creencias; Johannes Kepler quien para evitar a los inquisidores fue particularmente discreto por ser luterano y seguidor de Copérnico, la peor elección posible en su época; o Galileo Galilei quien enfrentó acusaciones del Santo Oficio en 1633. Toda esa persecución culminó cuando Isaac Newton en 1687 publicó la obra que reunía las investigaciones de su vida en Philosophiae naturalis principia mathematica, tal vez la obra científica más importante de la historia, pues transformaba en ella a la filosofía natural en ciencia dura, objetiva, comprobable y alejada de criterios religiosos.

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De lo que podemos estar totalmente seguros es de que el conocimiento del cielo no es misterio reservado para iniciados, por el contrario es una invitación plena al descubrimiento y la fascinación de todos.

Como confirmación de ello, durante los días 6 y 7 de noviembre de 2015 la FAD Plantel Taxco albergó a diversos expertos para compartir sus conocimientos en un ciclo de conferencias y taller interdisciplinario que consistió de dos sesiones de observación de estrellas. Agradecemos la participación de los académicos Arturo Ponce de León, Arturo Rosales, Oscar Chapa, Isaac Estrada y Santiago Rosales, quienes generosamente comparten sus conocimientos para la confección de esta edición especial de la revista .925 Artes y Diseño que aborda este tema central desde diversas ópticas: la historia, la astronomía, el arte, la arquitectura y la arqueología. Además, reconocemos la colaboración de los profesores Ricardo González y Carlos Salgado, quienes agregan más perspectivas a este fenómeno: desde el cine y desde la etnolingüística, respectivamente.

Como mirar el Cielo 01
De izquierda a derecha: Arturo Rosales, Mayra Uribe, Alicia Arizpe, Isaac Estrada, Oscar Chapa, Santiago Rosales, Arturo Ponce de León y René Contreras.

Por otro lado, debemos recordar que, desde la edición anterior, esta revista se ha abierto a la participación de los alumnos de este plantel Taxco de la FAD. En este sentido, agradecemos las espléndidas colaboraciones para este número de Ana Laura Vázquez Hernández y Caleb Chávez Rodríguez.

Todo lo anteriormente referido hubiera sido imposible sin la coordinación y planeación del evento de la Dra. Alicia Arizpe Pita (Coordinadora de la CORIEDA de la FAD), la Mtra. Mayra Uribe Eguiluz (Coordinadora de las Licenciaturas de la FAD Plantel Taxco), y el Mtro. René Contreras Osio (Maestro de Carrera de la FAD Plantel Taxco).¶

(Publicado el 11 de febrero de 2016)

Presentación de Fotografía Esférica, Obra Plástica

CUT Real de Catorce

Por Arturo Rosales Ramírez.

“La Fotografía Esférica, Obra Plástica”; es una propuesta que intenta romper con los formatos y modos de apreciar una imagen. Para lograrlo se buscó crear una imagen que rompiera los márgenes, límites, líneas rectas y los rectángulos clásicos que constituyen el soporte de la fotografía. Se busca, con ello, trasgredir con conceptos tales como arriba, abajo, izquierda y derecha, obtener una imagen con cierta deformación construida.

Con este pensamiento se logró obtener una reflexión total de la imagen semiesférica, parabólica o hiperbólica, según se observe, que desde el inicio del registro se tenía contemplado, provocando el movimiento del espectador para obtener una lectura moviendo, o girando la imagen a una posición deseada, en tanto ésta no es fija, lo que trae como consecuencia que, igualmente, el observador no tenga la posibilidad de permanecer fijo.

La fotografía como todos los lenguajes de expresión está sujeta a un código y se sustenta en sus especificidades como la reproducción múltiple, el instante irrepetible, toda imagen fotográfica representa el inmediato pasado, la idea de “verdad”. Con esto se crea la fotografía de filiación (de filial, hermanado a, amor a) –las horribles fotos que se usan para documentos oficiales–. Relacionado con “la verdad o la realidad” dentro de los géneros, con la fotografía, se construye al documental –entre comillas porque los lenguajes y en especial la fotografía no representan ni reproducen la realidad, sólo la interpretan o, más bien, el ser humano hace una interpretación del mundo que lo rodea, apropiándose de esta manera de lo que desea.

La fotografía en el arte muestra una infinidad de posibilidades, lo mismo en la técnica como en lo conceptual. En este sentido conceptos como lo insólito cotidiano (concepto ligado al surrealismo), se va a acoplar a todos los géneros (desnudo, retrato, paisaje, naturaleza muerta y abstracción) aquí los artistas fotógrafos desarrollan su creatividad sin límite alguno que los detenga, es así que consiguen llegar a una reflexión sobre el fenómeno fotográfico. Kati Horna1 decía en una frase que “el conocimiento da la libertad”, sin embargo la luz nunca termina de conocerse, así es que con base a esta premisa se da la siguiente pregunta, ¿Cómo y por dónde entra la luz a la cámara? (esto es por un agujero, en círculo y una imagen de cabeza), a partir de esta reflexión, he tenido la inquietud de resolver una imagen que se asemeje a esto y que no esté, determinada por un fabricante y formato preestablecido.

El surgimiento de la Fotografía Esférica comenzó con el registro de la Vía Láctea que a partir de un proceso de reconstrucción dio origen a la bóveda celeste. La experiencia que se obtiene equivale a estar dentro de la esfera. La imagen recordaba que el cielo también se mira hacia abajo. La esfericidad de la bóveda celeste en realidad es reflejo de la esfericidad de la tierra. Aquí se desarrollaron las primeras imágenes que dan la sensación de ser segmentos de una esfera. Para hacer esto más evidente, se sigue una línea o dos, reales o virtuales de forma paralela. Esto hace notar el desarrollo del quinto postulado de Euclides2 que dice que las paralelas nunca se juntan, de igual manera el teorema de Mapeo de Reiman, el cual se refiere a la proyección de la esfera sobre el plano.

Fotografía Esférica se basa en el conocimiento relacionado con la construcción de parábolas, hipérbolas y esferas. Por ejemplo, a partir del diseño y la construcción de la óptica de telescopios es necesario saber cómo hacerlo y comprenderlo para poder entender lo que se hace al tomar una serie de imágenes que representen estas parábolas e hipérbolas. Aquí se conjugan la matemática y la geometría, además de lo aprendido a partir de la observación astronómica.

Con respecto a la matemática, se mostrará a continuación cómo se construyen la hipérbola y la parábola.

Playa Valencia
Playa en Valencia, España.

Muchos de los trabajos nos muestran una hipérbola. Esto se debe a que la fotografía del centro es la más cercana al momento de hacer el registro. De esta manera se capta una fracción externa de la esfera, viendo la parte convexa, o sea, observando desde afuera.

La parábola aparece en las composiciones en donde la fotografía central queda separada de uno de los puntos más lejanos de la toma. Cabe aclarar que en su mayoría los extremos serán los más alejados desde el lugar de observación. En algunas imágenes vemos que el centro y los extremos quedan enfocados al infinito. La parábola es la más adecuada para hacer un telescopio reflector, ya que no se tienen problemas de aberraciones ópticas en el color o en la forma de la imagen observada o fotografiada.

Habana
La Habana, Cuba.

La imagen ecuatorial se crea muchas veces desde el momento del registro, aquí una construcción u objeto que en su origen es un arco, triángulo o puente con dos o más vértices en ángulo, se verán transformados en una línea ecuatorial, ya que se toma el centro y desde ahí se visualiza para registrarse y construir con ella más adelante una imagen que represente una línea, se denomina ecuatorial porque queda centrada al eje de la imagen. Con esto se llega a un minimalismo formal, donde en algunas ocasiones se logra una sencillez muy evocadora.

Puente de calatraba
Puente de Calatrava

Acerca de la Esfera, ¿Qué se puede decir ante un paradigma tan complejo que ha sido tan abstracto para el pensamiento humano, empezando desde lo básico que es el círculo mismo la relación con el cero y sus connotaciones?, ¿Qué se puede mencionar de sus representaciones? nos quedaremos muy cortos, baste sólo con mencionarlo. Desde un punto de vista más difícil de comprender está el hecho de que la esfera más allá de los 360°, se convierten en cubo. Para entender la esfera, también debemos entender el cubo. Curioso pero necesario que no se pueda entender la esfera sin antes concebir que está inserta, o inscrita, en un cubo porque tiene ancho, alto y profundidad, como algún día hace muchos siglos lo concibió Platón o Sócrates pues uno interpretó al otro y aquí se hace una reflexión sobre ello.

Dentro de un pensamiento astronómico, podemos mencionar que el teólogo francés Alain de Lille3 quien dijo: “Dios es una esfera inteligible, cuyo centro está en todas partes y su circunferencia en ninguna”. Parménides ya hacía mención de una esfera sin fin. Aristóteles4 en el Organon, la obra sobre lógica escrita por él, nos deja casi intuir esa esfera.

En la astronomía ptolemaica –que durante mil cuatrocientos años rigió la imaginación de los hombres– la Tierra es una esfera inmóvil y alrededor de ella giran esferas concéntricas de éter. Este era el pensamiento en 1584, en la plenitud del Renacimiento; setenta años después no quedaba un reflejo de ese fervor y los hombres se sintieron perdidos en el tiempo y en el espacio. En el Renacimiento, la humanidad creyó haber alcanzado la madurez, y así lo declaraban Bruno, de Campanella y Bacon.

Para llegar a la construcción de una imagen de más de 180° será necesario hacer más de 11 fotografías; para crear una imagen de más de 360° se requieren más de 21, en ambos casos, en tal situación que se logre, después, unirlas adecuadamente para que sea perciba la continuidad.

Ajusco
Ajusco, D.F.

La matemática como parte de la geometría, nos ha ayudado a conocer mejor el espacio en el que nos movemos. La geometría es una de las ciencias que sirve para estudiar a la Tierra, a través de la geometría alineamos, medimos, estructuramos, transformamos y deformamos. Somos parte de la esfera, todavía nos perdemos en ella porque no hemos aprendido a vivir en ella.

Milan
Milán, Italia.

Las estrategias de producción utilizadas son la explicación del conjunto de operaciones que sustentarán la investigación en su nivel práctico, en el caso de la investigación práctico-teórica. La perspectiva teórico-metodológica es: explicación general de la metodología que se intenta seguir en el desarrollo de la investigación. Más que su denominación, es importante la descripción general del método que sustentará el desarrollo del proyecto. La investigación práctico-teórica incluye los dos aspectos. En pocas palabras son una serie o conjunto de pasos lógicos a seguir para obtener un resultado determinado, esto es por un lado, pero en el sentido opuesto también hay que aprender a romper con el paradigma y darse cuenta cuando esto sucede, en ocasiones es una pequeña diferencia pero suficiente para que sea una nueva propuesta.

Espacio tiempo

En el desarrollo de esta propuesta plástica se provoca el movimiento de un sujeto con respecto a su desplazamiento total o parcial. Teniendo presente este principio básico de la relación espacial, se produce un tiempo, el que tarda el observador o receptor para desarrollar su desplazamiento donde utiliza el cuerpo para desplazarse con respecto a la obra. De esta manera se mostrará este evento interesante, que es la independencia del espacio bidimensional, es aquí donde movimiento y espacio, nos hacen reflexionar sobre el tiempo, lo curioso en este caso es que el tiempo y el espacio son dos unidades que se fusionan en el momento de la contemplación de esta propuesta plástica.

Milan 2
Milán, Italia.

Es necesario hacer un análisis sistematizado de los principios fundamentales en física y filosofía, del espacio y el tiempo, el movimiento, impulsado por las propiedades de esta propuesta plástica que conjuga, la ciencia, la tecnología y el arte. Ante esto nos hacemos las siguientes preguntas: ¿La luz y su velocidad constante en el vacío nos muestran movimiento? ¿Qué relación existe entre el movimiento de traslación de nuestro planeta y la propuesta presentada? y ¿De acuerdo con la relatividad, las leyes de la naturaleza no alteran su forma cuando se pasa del sistema original de coordenadas a uno nuevo por un movimiento de traslación uniforme con respecto al primero? Estamos hablando de la proyección de la esfera sobre el plano.

La imagen circular

Desde este punto de vista, también podemos llamarle imagen circular y no porque tenga relación con el circulo, sino porque se induce a moverse en torno a ella, ya sea de manera sencilla moviendo la cabeza de un lado a otro o más aun recostando la cabeza para hacer una lectura inducida por la manera de cómo fue construida, la otra opción que tiene el espectador es girar la imagen sobre su propio centro en forma circular y ponerla en la posición que él considere apropiada, aquí se da una interacción, obra-espectador, de esta manera el auditorio participa de manera activa en la reconstrucción de este trabajo.

Carretera
Vista de una carretera.

La imagen fija que provoca movimiento

Otra de las posibilidades, es registrar cómo es posible la movilidad del espectador sobre la imagen, como si ésta tuviera la virtud de asemejarse a la escultura, esta es una de las especificidades de la escultura, para observarla hay que moverse, cosa que no sucede con la imagen bidimensional, esto se da por la aparición de dos o más horizontes, o la falta y/o inversión del horizonte, en este caso veremos cómo se invierte el horizonte o cómo a nosotros se nos da la posibilidad de elegirlo. Esto es muy importante ya que desaparece la posición de representación, pero podemos ver que al invertir la imagen el cielo toma la posición usual de piso, para que el horizonte se invierta, lo de arriba queda abajo y viceversa, creando la sensación de vértigo en algunos casos, en otros veremos cómo la imagen hacia los extremos se fuga, sin llegar a la deformación como cuando se usa un objetivo gran angular –conocido como “ojo de pez”–, en la construcción de estas imágenes vemos que no sucede, o sólo en los casos que así se determine. Es una deformación aceptada o provocada, pero no dada en automático, esto es muy importante porque queda definida por el autor, así se mantiene la autonomía e independencia sobre la automaticidad de la electrónica, con esta construcción manual se crea una nueva narrativa en la imagen bidimensional.

Torre de Hércules y rosa de los vientos
Torre de Hércules y rosa de los vientos.

La narrativa visual

Si bien no nos desprendemos de la manera de construir una imagen fija, con los esquemas definidos con anterioridad por Roland Barthes5, manteniendo el punctum y el studium6, elementos básicos en la construcción de la imagen, al igual que se sigue con la representación de la cotidianidad y de lo insólito cotidiano, conceptos que corresponde a las especificidades de la fotografía y que muchas veces sin ellos no se cumple con los elementos formales y conceptuales para trabajar con el lenguaje fotográfico, si se está creando una narrativa que provoca movimiento, ya sea de izquierda a derecha y de arriba a abajo como es lo tradicional en la escritura occidental, pero tenemos la posibilidad de hacerlo de derecha izquierda e incluso de abajo a arriba, o la acción de girar la imagen ya sea física o visualmente, no se trata pues de una imagen activa, sino de un espectador activo, de aquí que podemos decir que hay una nueva manera de apreciar por un lado y construir desde el punto de vista del hacedor.

Valencia1

Valencia 3

La fotografía esférica 

La idea se inició con el uso de cámaras de 6X6 (formato medio), en las cuales lo que se ve a la izquierda en realidad está a la derecha o viceversa. Así también con las cámaras de 4X5” (gran formato), la imagen se ve de cabeza. Ambas cámaras me ayudaron a resolver problemas de ver la composición en la imagen fotográfica. Sin embargo, a la par surgió la duda sobre si es cierto que el ojo percibe las imágenes al revés, pero nuestro cerebro la endereza, ¿Cómo funciona la percepción del ser humano, realmente? ¿Vemos imágenes alteradas por nuestro cerebro o nuestra conciencia?

Víalactea
Vía Láctea.

Otra reflexión que surgió de esta búsqueda estuvo relacionada con el imaginarme que las imágenes al entrar a la cámara por un círculo, es decir la lente, se proyectan al interior donde finalmente son enmarcadas o encuadradas por el formato según el tamaño de la cámara.

Mi propuesta es hacer fotografías que no tengan arriba y abajo, izquierda o derecha una imagen con dos o más horizontes o sin horizontes y por lo tanto con varios puntos de fuga o sea una fotografía esférica o circular. Esto deriva cuando lo vemos desde la óptica de un cámara de 4X5”, que al componer, es necesario hacerlo con una visión que adecua la imagen a la forma en que realmente se percibe. El fotógrafo endereza la imagen en su cerebro y se acostumbra a esta condición sin preocuparse únicamente de que la fotografía quede bien balanceada, iluminada correctamente y expuesta acertadamente.

Real de Catorce
Real de Catorce, S.L.P.

La anterior situación me hizo reflexionar sobre la necesidad de desarrollar una propuesta de fotografía sin posición. De esta manera, el espectador es quien, a su decisión, otorga una posición desde su modo de percibir, cómo se vería mejor para él o dónde cumple con su apropiada composición. Así, el fotógrafo proporciona interactividad a la fotografía y el espectador la opción de intervenir en la imagen.

El inicio a todas mis interrogantes respecto a la construcción de la fotografía esférica o circular surgió en El Salto, Guanajuato, durante una noche de observación astronómica. Y fue a partir del deseo de una amiga, quien exclamó: – ¡Cómo me gustaría tener la Vía Latea en mis manos!–. Inmediatamente pensé que ese deseo se podía hacer realidad a través de la fotografía digital. Monté mi cámara en el trípode triple y me aboqué a hacer las fotos. Siguiendo con cuidado la posición de la Vía Láctea y las estrellas más brillantes de esa noche, usé un objetivo angular de 28mm. Entonces logré tener en tres fotos el total de la Vía Láctea. Le agregué además, una foto con la constelación de Escorpión. Obtuve así, una foto hecha a partir de cuatro imágenes.

En el proceso de elaboración, me di cuenta que estaba reconstruyendo una parte de la esfera celeste. Me sorprendí, y al reflexionar, caí en cuenta de que es de esta manera como interpretamos el cielo; viéndolo como si estuviéramos en el interior de una esfera. Esto me hizo recordar que el cielo también se puede observar mirando hacia abajo, es decir, hacia el piso, a la tierra. Así, partí de este pensamiento y comencé a hacer fotografías de carreteras, caminos, calles, ríos, cualquier forma de vías, etc., logrando como resultado esferas. Este proyecto me llevó a pensar en problemas geométricos aún más complejos, las fotos mostraban problemas de la geometría clásica que se solucionan con la geometría moderna.

El quinto postulado de la geometría euclidiana dice: las paralelas nunca se unen. Es exactamente aquí, donde la geometría moderna surge, al negar o replantear y decir que las paralelas se unen en el infinito, siendo ésta una de las condiciones que sucede en mi obra.

Otra de las cosas que encontré fue la proyección de la esfera sobre el plano (efecto que también se da en mi obra) en donde se logra la ambivalencia. Esto está relacionado con el teorema del Mapeo de Riemann.

Aunque me he enfocado al paisaje debido a que es aquí donde surgió el proyecto, también he encontrado otras aplicaciones, como en el desnudo y la naturaleza muerta. Géneros donde se puede aplicar la propuesta y que ha dado buenos resultados.

En esta propuesta se muestra que existen varios puntos de fuga, mismos que le dan a la imagen un aspecto de dinamismo ya que obliga al lector a moverse dentro de la imagen. Además del movimiento de ambivalencia que provoca cierta sensación de moirè7, en muchas de las imágenes se tiene movimiento real, donde el observador puede decidir la posición que más le agrade.

Carretera Ajusco
Ajusco, D.F.

Si bien es cierto que los seres humanos tenemos y hemos tenido la necesidad de estudiar, comprender, analizar e investigar el mundo que nos rodea entonces, la necesidad que tenemos con el arte es la de interpretar. De esta manera nos apropiamos del mundo y las cosas que lo conforman. Nombrando estos modos surgieron los géneros artísticos como el paisaje, el retrato, la naturaleza muerta y el desnudo, con la fotografía surge el género del documental. Todos ellos cumplen justamente con la necesidad de conocernos a nosotros mismos; analizando, estudiándonos, admirándonos, criticándonos y reconociéndonos como parte del mismo mundo. En esta clasificación queda fuera la abstracción; sin embargo, existe.

Estudiando la abstracción me di cuenta, a temprana edad, de mi necesidad de experimentación, formal y conceptualmente. Ahora bien, es precisamente con la abstracción, donde al no haber una referencia del arriba, el abajo, la izquierda y la derecha, que imprimía y colocaba (o con el uso de la firma), estableciendo cómo finalmente quedaría la imagen.

En la construcción de la imagen fotográfica de mi formación como artista visual me planteé, desde el principio, la necesidad de realizar una fotografía de autor con visión pictórica. Es decir, fotografiar lo no real, creando imágenes a partir sólo del uso de los químicos sobre el papel, logrando espacialidad y degradados agradables. Usaba algo de color, sobre todo tonos ocres surgidos de la fusión del revelador y fijador. También usé algunos violetas azulados provocados por un uso deficiente de fijador. Así quedaban estas partes siempre al continuo cambio de tonalidad según la cantidad o calidad de luz a la que estuviera expuesta.

Otro experimento que realicé fue trabajar con la cámara sin objetivo, poniendo al frente luces a distintas distancias y mis manos pegadas en la posición del lente. Con esta técnica formaba imágenes diversas con degradación lumínica y composiciones totalmente compuestas, sin una representación mimética reconocible.

Las experiencias de experimentación me han motivado para continuar con la actualización personal, en la actualidad manejo algunos programas para la construcción de imagen ya sea fija o en movimiento, con esto preparo material didáctico para apoyo de cursos y principalmente para la elaboración de esta investigación, por el momento estoy preparando un curso sobre el uso de la cámara lucida (instrumento de principios del siglo XX, antecedente de la cámara fotográfica) integrada a la computadora por medio de una tableta digital para dibujo.

Esta nueva manera de narrar o mostrar una imagen también se respalda por la presencia de elementos, objetos y personas que aunque en la lógica deben estar en posición “correcta” no es necesario respetar esa posición, es interesante cómo no incomoda que se pongan en posición horizontal, o como se dice de cabeza, para la apreciación, realmente ha sido un logro que ha dado muchas satisfacciones por la aceptación recibida por parte de artistas y teóricos del arte y más que nada por la impresión causada, que no molesta, resulta diferente, agradable y motivadora para el espectador.

Carrisales
Carriles.

Consideraciones y conclusiones finales

La elaboración de este trabajo es principalmente una reflexión y análisis sobre la investigación y los logros alcanzados sobre la premisas establecidas ya hace varios años y que ahora se denomina como “La fotografía esférica”, nominación a la que finalmente se llegó a través de la comprensión completa de lo que se está haciendo como obra plástica en torno a las artes visuales.

Estas reflexiones nos muestran imágenes sin referencias cartesianas –que si bien, no es una búsqueda nueva, si se muestra que no sólo viendo hacia el cielo se logra tal posibilidad–, también ésta se resuelve mirando hacia abajo como ya se mencionó, es la proyección de la esfera sobre otra esfera, o véase igual como un plano en donde se proyecta la sombra o parte del autor de este trabajo.

Abordamos el tema de la geometría en el arte, ya que no sería posible hablar de esferas y fotografía sin hacer este recorrido por la matemática y la geometría, sobre todo porque para entender una esfera hay que verla desde este aspecto y así es como se dio con la creación de un espejo esférico para un telescopio, claro no sin antes haber pasado por la construcción de parábolas y planos ópticos, estos últimos como algo muy difícil de resolver, como ya se mencionó pero que bien vale la pena recordar. Si bien estos son puntos de vista de la ciencia que en la fotografía nos son muy útiles para definir la calidad de un lente que resulta necesario considerar para lograr imágenes de gran calidad, es aquí donde entramos al aspecto técnico.

Lo que ha facilitado la elaboración de este proyecto es la inquietud constante de la actualización y la incursión en campos y disciplinas como son las matemáticas y la astronomía.

La finalidad de la exploración de las tecnologías digitales, está en ofrecer la posibilidad de desarrollo de nuevas interfaces y contenidos que por medio de la experimentación nos llevarán a resultados plásticos abiertos a todo el mundo, para permitir una nueva vivencia de la obra digital que propone la facilidad de llegar a cualquier parte y por tanto de tener fácil acceso, pero a su vez para generar una experiencia única y personal que llevará a una interpretación de la obra.

Para finalizar con las conclusiones, se puede decir que la presente investigación muestra la relación arte, ciencia, dentro de los pensamientos Apolonio dionisiacos, la controversia entre lo platónico y aristotélico, una experiencia en donde la razón y las emociones se conjugan en favor de las artes para generar una propuesta plástica a partir del uso de la fotografía digital. Como se ha mostrado, este proyecto es multidisciplinario, esto se debe a que se ha tenido la oportunidad de conocer y aprender de las otras disciplinas, como la geometría, la matemática y la astronomía, además del lenguaje fotográfico, entendiendo que es a través de la construcción de la imagen una manera de describir lo que se da en el pensamiento. Si antes no se imagina uno las cosas estas no pueden realizarse, en este caso la imaginación nos decía que se podía llegar a una imagen sin posición pero no se sabía cómo. Esta predisposición es muy importante porque sin ella no se está preparado para el momento en el que sucede el evento y aquí es donde aparece la sorpresa, hay que aprender a sorprendernos, tenemos que darnos cuenta de los encuentros dado que estos son necesarios para el desarrollo de las investigaciones, por lo tanto de la creatividad, sin ella no hay realización, se tiene que dar para que al final sea plasmado un logro para compartirlo.

Finalmente podemos comentar que si Wittgenstein8 dice “que lo que no se puede hablar es mejor callar”, hago la siguiente reflexión: de lo que no se puede hablar, el arte lo muestra y habla a través de sus lenguajes.

(Publicado 11 de febrero de 2016)


  1. Kati Horna (Budapest 1912-Cd. de México 2000). Fotógrafa.
  2. Euclides (ca. 325 a.C.-ca. 265 a.C.) Matemático y geómetra griego.
  3. Alain de Lille (ca. 1128-Abadía de Cîteaux, 1202) Teólogo y poeta francés.
  4. Aristóteles (384 a.C.-322 a.C.) Filósofo, lógico y científico griego.
  5. Roland Barthes (Cherburgo, 1915 – París, 1980) Filósofo, escritor, ensayista y semiólogo francés.
  6. Los conceptos de punctum y studium fueron acuñados por Roland Barthes en su ensayo “La Cámara Lúcida”, publicado en 1980. El studium, tiene que ver con la cultura y el gusto: una imagen fotográfica puede interesarnos, incluso “a veces emocionarme, pero con una emoción impulsada racionalmente, por una cultura moral y política”. “Me complacen o no pero no me marcan”. Por el contrario el punctum de una fotografía “es ese azar que en ella me despunta”. “Surge de la escena como una flecha que viene a clavarse”. El punctum “puede llenar toda la foto” (….) aunque “muy a menudo sólo es una detalle”.
  7. El efecto moirè, es una sensación visual que se genera en la interferencia de dos rejillas de líneas a partir de determinado ángulo, o cuando éstas tienen un tamaño distinto. El origen de esta expresión está relacionado con un tejido llamado así, que es un tipo de seda que se caracteriza por tener este aspecto ondulado.
  8. Ludwig Josef Johann Wittgenstein (Viena, 1889-Cambridge, 1951). Filósofo, matemático, lingüista y lógico austríaco, nacionalizado británico.

Recorrido fotográfico de la Zona Patrimonio Mundial, Natural y Cultural de la Humanidad en Xochimilco, Tláhuac y Milpa Alta

Arizpe - Canal de Ampampilco CUT

Por Bertha Alicia Arizpe Pita.

A finales del año 2014 la Facultad de Artes y Diseño estableció un proyecto de colaboración con la Zona Patrimonio Mundial, Natural y Cultural de la Humanidad en Xochimilco, Tláhuac y Milpa Alta, coordinado por los profesores Santiago Ortega y Jorge Arzate. Para llevarlo a cabo se organizaron varios equipos de trabajo. La invitación a participar como parte del equipo de fotografía coordinado por María Fernanda Rojas Suárez, fue una oportunidad invaluable para conocer la región de chinampas, lacustre y de monumentos históricos, declarada patrimonio por la UNESCO el 11 de diciembre de 1987. A través de recorridos físicos y de las enseñanzas de los biólogos que integran la Autoridad de la Zona Patrimonio –órgano de apoyo a las actividades de la Jefatura del Gobierno del Distrito Federal–, el equipo de seis fotógrafos pudo sorprenderse ante el vasto territorio que integra el polígono y registrar la riqueza de su biodiversidad, así como la relación de sus habitantes con el ambiente. Al mismo tiempo, se tomó conciencia de la necesidad de difundir este patrimonio en el entorno local y a nivel nacional, preservando y ampliando así, el reconocimiento internacional que ya lo distingue.

Arizpe - Laguna de Tezhuilo1 - 2

Cabe señalar que hay asuntos ambientales de suma importancia sobre los que es preciso tomar acciones correctivas, como la contaminación que impera en zonas intermedias entre lo rural y lo urbano, como la que nos ocupa, y que por su gran valor ecológico y cultural, necesitan del impacto positivo que el equipo de la Autoridad Zona Patrimonio, pretende en sus habitantes. Refieren que se han logrado avances al platicar con los ejidatarios para orientarlos y exhortarlos a mantener su compromiso de recuperar la producción chinampera tradicional efectuada con herramientas ancestrales como la coa y el guingaro. Esta labor es realizada desde hace dos años con el objetivo de proteger y conservar la biodiversidad, así como para evitar el abuso de agroquímicos prohibidos, que en los modelos de agricultura sustentable, son inadmisibles, si se desea preservar la aptitud del suelo de la región.

Arizpe - Canal de Ampampilco - 2

Dentro del proyecto se realizaron varios recorridos por diferentes sectores, por ejemplo, se visitó la extensa laguna de conservación de flora y fauna, la cual, cuando cubre su máxima extensión mide cerca de 280 hectáreas. Entre las plantas más presentes en el área, están el lirio y el tule, el primero conocido por desplazar las plantas nativas. Los biólogos ayudaron a identificar especies endémicas de México que se pueden ver por doquier, como por ejemplo, la dalia, cuya presencia hace evidente la lucha de naturaleza por restablecer su equilibrio. En la laguna de conservación se encuentra el tular más importante de América, con diferentes especies de dicha planta, el pasto alto es tule tipo espadaña, un pariente cercano de los pastos; el más corto es tule cuadrado, con él se hacen muebles y los famosos petates.

Otro tema de interés es la historia de la intervención humana en la alteración de las condiciones ambientales de la región, por ejemplo, hay vestigios que datan de periodos antiguos como los montículos con depósitos de arcilla negra, que pueden tener restos prehispánicos. El análisis del polen acumulado podría permitir determinar qué había y de qué se alimentaban los pueblos primigenios de cazadores y recolectores: al parecer pueden reconocerse el maíz, el chile, los frijoles y las calabacitas. Cabe agregar que se calcula que estas acumulaciones tienen ocho mil quinientos años de antigüedad.

Recorrer el polígono induce a imaginar cómo pudo ser la vista de la cuenca en donde un día confluyeron cinco grandes lagos: Xaltocan, Zumpango, Texcoco, Chalco y Xochimilco. El panorama actual revela la huella de un cúmulo de sucesos históricos, por ejemplo, en 1985 tras el temblor que sacudió la Ciudad de México, derribando muchas construcciones y generando grandes cantidades de cascajo, lo que ocasionó tristemente que se tomara la decisión de tirar parte de los escombros en la laguna y en el ejido. Con esos residuos se llenó una ciénaga de cuatro metros de profundidad, cuando esos terrenos aún eran ejido, tiempo después, vino su expropiación en 1989 por parte del Gobierno del Distrito Federal.

Arizpe - Mixquic - 2

En cuanto a la información de interés sobre los habitantes de la zona, sobresalen los cronistas que recuperan la historia, como Genovevo Pérez y Rodolfo Cordero, quienes rescatan la tradición oral de sus antecesores. Xochimilco, Tláhuac y Milpa Alta, tienen una rica historia y mucho material de estudio que aportar a disciplinas como la antropología, la arqueología y la sociología.

Entre los recorridos notables se encuentra la visita a Mixquic por el camino arbolado de la que fue la hacienda de Íñigo Noriega, amigo cercano de Don Porfirio Díaz, ahí pudimos observar además ejemplares de la Garza Garrapatera, el ave llamada ‘perro de agua’, así como los diversos sistemas de siembra y riego tradicional que aún se practican. Los agrónomos explicaron que el uso de tractores es una técnica española que presenta el problema de compactar la tierra, lo cual provoca que el suelo pierda capilaridad, mientras que el sistema de siembra tradicional es más afortunado, se denomina espeque y el riego puede ser de tipo rodado o con regadera.

También se visitó la zona arqueológica conformada por un polígono de 600 hectáreas que se pretende integrar a la Zona Patrimonio y que incluye Cuailama y Piedra Negra. Cuailama significa anciana del bosque y su existencia data del periodo Posclásico. Los arqueólogos responsables del área, explicaron que actualmente se lleva a cabo un proyecto de prospección, recorrido y registro pormenorizado, y que el próximo año, que será el segundo, se harán excavaciones. Cabe agregar que existen asentamientos irregulares dentro del espacio de la zona arqueológica, principalmente casas; así, coexisten las construcciones modernas con las prehispánicas, lo que trae consigo la falta de control, el saqueo y la alteración de los vestigios, y en consecuencia, la imposibilidad de fecharlos con mayor precisión.

Arizpe - Tule en la laguna de conservación de flora y fauna - 2

En la zona de Cauilama hay varios petrograbados: un ocelotl o jaguar, un cipactli o lagarto, también un xoloitzcuintle que mira al Norte, hacia el Mictlan, y una mariposa o papalotl, que simboliza a los muertos en batalla que regresan a alegrar la vida de los hombres, finalmente, la representación de Nahui Ollin o cuatro movimiento, cuya punta hacia abajo representa el final del tiempo.

Las fotografías captadas durante los recorridos constituyen un registro del estado de la zona, aquí se muestra una mínima selección de esa rica experiencia, en el resultado global se observan diferentes paisajes que transmiten la experiencia del transcurrir de las horas del día, la salida del sol atravesando las ramas de los árboles en líneas doradas, los alucinantes espejos de agua, caleidoscopios de un lejano pasado prehispánico, una memoria de imágenes del periodo colonial y un México moderno. El candor del movimiento de las trajineras sobre el agua y los brillantes colores de la decoración típica del folclore popular, armonizan con los vibrantes colores de las flores, los relieves y texturas de los tulares. El silencio del paisaje completa la experiencia conmovedora de mirar la atmósfera y respirar el aire de nuestra ciudad en un lugar donde aun es posible apreciar el horizonte sin interrupciones.

Para terminar, es preciso manifestar gratitud y reconocimiento a los biólogos Rubén Rojas Villaseñor y Sergio López Mejía, quienes forman parte del equipo que integra la Autoridad Zona Patrimonio y que nos guiaron generosos e incansables a través de los recorridos por este vasto territorio.

La autora es responsable de la Coordinación de Redes de Investigación y Experimentación para los Diseños y las Artes, CORIEDA.

(Publicado el 9 de noviembre de 2015)

Fuentes de consulta

  • Autoridad de la Zona Patrimonio Mundial, Natural y cultural de la humanidad en Xochimilco, Tláhuac y Milpa alta. CDMX. Ciudad de México, http://www.azp.df.gob.mx/ 2015. Fecha de consulta: 12 de octubre de 2015.
  • Prado Segundo, Oscar, et. al. Bienes y valores Culturales y Naturales. Xochimilco, Tláhuac y Milpa Alta. México. Impresión: Abel Martínez Mendoza. s/f.

En las márgenes del libro: Los libros heridos

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Por Mónica Euridice de la Cruz Hinojos.

Esa tarde, cuando había terminado el ciclo de primer año de primaria, saqué de la mochila mi libro de español, en ese entonces tenía una parte que era para recortar, así que me dispuse a continuar la labor aparentemente concluida. Tomé las tijeras chatas, corté, corté y corté. Incluso en aquellas áreas que no estaban indicadas para ese fin. Puse pegamento en esos pedazos de papel que contenían ilustraciones, palabras de gran tamaño y letra script, para trasladarlos a otras páginas, al agregar o quitar parte de un texto, podía armar otras historias. Descubrí, sin querer, que podía transformar el libro, en mi libro, que las imágenes y las letras se transmutaban y cambiaba el sentido de las oraciones ahí impresas.

Me encontraba ocupada en esa tarea, cuando mi padre entró casi sin sentirlo. Y con total serenidad pero muy decididamente, tomó el libro maltrecho, puso mis manos delante y me dio con él un par de pequeños golpes. Me dijo que eso es lo que sentía aquel pobre, roto y un poco desmembrado libro escolar. Desde aquel día y durante mucho tiempo, debo confesarlo, me fue imposible ni siquiera subrayar un libro.Mo¦ünica de la Cruz 02 cyanCon los años, ese objeto que es además uno de los más eficaces dispositivos de comunicación que el ser humano ha creado, se convirtió en una presencia constante en mi vida e incluso en un objeto de investigación y de creación. El asunto, aquella vez que incursioné, sin saberlo, en lo que ahora se llama “libro alterado”, quedó como un experimento lejano pero que arraigó fuertemente en mi inconsciente, llenándome de una gran curiosidad.

En el transcurso de mi búsqueda, supe de artistas y diseñadores que cortaban los libros también y no solo eso, cosían, dibujaban, grababan o esculpían sobre libros impresos, retomando los textos que ahí se encontraban o tomando simplemente sus hojas para hacer pliegues, gofrados, huecos o los molían transformándolos en materia prima para otros objetos.Mo¦ünica de la Cruz 03 cyanDe esa manera me di cuenta que no era la única que tenía ese extraño impulso de “destruir” los libros. Por lo que vivo ahora en un estira y afloja entre la idea de la conservación y de la transformación, una especie de sentido místico y sagrado del texto y por otra parte de deseo de transgredirlo, de profanarlo y de re-sacralizarlo.

El tema es complejo y fascinante, los libros han sido por diversas razones, objetos que se han sido perseguidos, censurados, quemados, destruidos, maldecidos e incluso desterrados. Y por esa misma razón hay quien a riesgo de su propia vida, los ha salvado, protegido, conservado y defendido.

Los libros han sido también objetos de codicia, hay quien los colecciona obsesivamente, que los prefiere incluso más que a las personas de carne y hueso. Incluso algunos han vivido como prisioneros, encadenados en las bibliotecas de muchos monasterios europeos para que no les sean robados y se conviertan en prisioneros de otros monasterios, palacios o casas de grandes señores.

Aunque tengo una muy pequeña biblioteca, que es más que raquítica si la comparo a la que siempre he soñado poseer, debo confesar que en ella conservo ejemplares que tienen una larga historia y que me gusta recordar mientras los toco, los consulto o simplemente los contemplo. Me han acompañado de mudanza en mudanza, han aguantado goteras y climas húmedos, a mis mascotas, al sol –que se ha comido el color de los lomos y portadas de algunos de ellos. Estaba orgullosa, habían resistido de manera estoica las inclemencias y maltratos.Mo¦ünica de la Cruz 08 cyanSin embargo hace unos días descubrí que dos libros muy queridos habían sido presa de la polilla y estaban muchas de sus hojas dañadas irremediablemente. Por supuesto que mi primera reacción fue de absoluto horror, recordé ese primer libro mutilado por mis propias manos. Y pensé en todos aquellos libros heridos por las inundaciones o naufragios, los imaginé a la deriva, después de que un barco fuera hundido en altamar; sentí la pérdida inevitable de aquellos incendiados; de los que han sido bombardeados o de aquellos a los cuales las balas los han traspasado; de los libros, que como los míos, han sido presa de insectos y bacterias.

Después de un gran lapso de estupor y de gran desazón, observé con absoluta fascinación el trabajo extraordinario, que solo podría lograrse hoy en día con una cortadora láser, comencé a descubrir una nueva lectura entre los huecos dejados por la voracidad del hambre y el deseo de sobrevivir en una selva de papel y tinta. La poética de la destrucción y de los nuevos sentidos que el azar le da al texto. Hay una belleza extraña en los libros heridos, en los “libros alterados” por la naturaleza o por las grandes tragedias humanas, son experiencias de gran riqueza expresiva.

Los libros deformados por el agua, por el fuego, por el viento o por una cuchillada, por un insecto que laboriosamente crea nuevos espacios, canales, lagunas profundas, en donde se alcanzan a distinguir algunas letras, algunos rastros de un dibujo, de una fotografía, son micro-paisajes en donde el ojo descubre caprichosas oraciones, frases que pueden traer significados ocultos. Voces que se superponen en una intensa cacofonía, silencios impuestos que hacen callar a los pensamientos y a las ideas para que surjan con mayor intensidad o para que le den paso a nuevas ideas y a nuevos pensamientos.

Aquí estoy hoy, esta tarde, una tarde muy lejana de aquella, no soy yo la que rompió el libro, su hilo discursivo, y, sin embargo, soy testigo de una profética puesta de juego de espejos, en donde el maravilloso libro de Miguel León-Portilla que habla de los códices mesoamericanos, sobre “los antiguos libros del mundo nuevo” –donde lamenta la violenta destrucción de las culturas y de sus sistemas de escritura, de la destrucción de los libros-pinturas– ha sido destruido a unos pocos años de su publicación, en mi pequeña biblioteca. Me lleno de admiración y de tristeza. Como si la minuciosa destrucción del texto por pequeños insectos le diera mayor vehemencia, mayor legitimidad.

¡Nada más conmovedor que ver un libro herido que habla de libros asesinados y torturados! 

(Publicado el 4 de mayo de 2015)

Fotografías y referencia:

  • León-Portilla, Miguel, Códices, México, Aguilar, 2003, pp. 33-35.

Panorámicas de Taxco, una exhibición fotográfica

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Por Mayra Uribe Eguiluz.

Los avances tecnológicos de la fotografía en México, aunado a la apertura de nuevos caminos carreteros y la promoción al turismo nacional en las primeras décadas del siglo XX, contribuyeron en buena medida al prolífico registro fotográfico de uno los poblados más pintorescos del país, Taxco de Alarcón, Guerrero. Pequeño pueblo colonial de tradición minera que sirvió de motivo e inspiración a artistas y viajeros de la época, quienes fascinados por las vistas panorámicas que este pueblo les ofrecía, buscaron la manera de registrarlas.

Muchos fueron los fotógrafos que encontraron en Taxco el motivo de inspiración para crear imágenes con luz y plata. Algunos de ellos, fueron viajeros extranjeros que registraron distintos rincones del país con la ayuda de la cámara como Charles B. Waite y Hugo Brehme. Además de éstos, los más reconocidos fotógrafos nacionales como los Hermanos Casasola, Manuel Ramos, Enrique A. Cervantes, Sabino Osuna, Mauricio Yáñez, Nacho López, Luis Márquez Romay, la Compañía México Fotográfico, entre otros, quienes apoyados por la popularización de la fotografía produjeron emblemáticas imágenes con paisajes y vistas panorámicas de Taxco, las cuales dan cuenta del entorno físico y geográfico del momento, de manera idílica y pintoresca, como fieles herederos de la tradición del pictorialismo decimonónico, así como de los cambios derivados de la urbanización y el rápido crecimiento de la población.

Buena parte de las fotografías panorámicas realizadas en Taxco durante el siglo XX, tuvieron un sentido comercial, pues fueron producidas para circular a manera de tarjetas postales, algunas en blanco y negro, otras en tonos sepias y algunas más, coloreadas. Otras, fueron realizadas para ser incluidas explícitamente en álbumes fotográficos como el elaborado por el arquitecto Enrique A. Cervantes, Tasco en el año de 1928.

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Vista panorámica de Taxco, Hotel de la Borda, Mina del Pedregal y Santa Prisca desde el cerro de la cantera (actualmente Monte Taxco). Autor: Desconocido. Título: Hotel de la Borda. Lugar: Taxco, Gro. México. Fecha: ca. 1935. Impresión: Plata/gelatina. Formato: Tarjeta postal 8×13 cm. Colección: Mayra Uribe Eguiluz.

La mayoría de las imágenes fotográficas de Taxco giran en torno a la iglesia de Santa Prisca y al desarrollo urbano de sus alrededores; aunque también resaltan algunos otros motivos de interés arquitectónico como las iglesias y capillas, fuentes, plazuelas, calles pintorescas y los principales hoteles, como muestra de la infraestructura turística en crecimiento.La exposición Panorámicas de Taxco, exhibida en las rejas exteriores de la Facultad de Artes y Diseño plantel Taxco, de marzo a agosto de 2014, incluyó imágenes antiguas poco conocidas de principios de la década del siglo XX hasta los años 50.

Además de ser un breve recuento histórico sobre la mirada fotográfica en esta ciudad, la exposición buscó sensibilizar a la población, acerca de la importancia de preservar el patrimonio artístico, histórico, paisajístico, ambiental y cultural del pueblo taxqueño, así como de hacer conciencia sobre los cambios en la geografía derivados del acelerado crecimiento urbano.

Esta iniciativa, fue también la primera propuesta de exposición en las rejas y muros exteriores del plantel Taxco, titulado Vereda Digital, el cual tiene como principal propósito fomentar el vínculo de esta Facultad con el entorno social.

(Publicado el 25 de noviembre de 2014)

Alfabeto Imaginario

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Por Cinthya Romero.

Alfabeto Imaginario, define la metáfora del tránsito interminable por la ciudad, evoca un mundo de imágenes, palabras y significados a través del paisaje. Bajo la mirada precisa de la artista, descubrimos los detalles de nuestro andar cotidiano. Su labor creativa nos habla del manejo contundente de la construcción de la imagen, a través de sombras, encuadres y su impecable manejo de la luz, expresa la belleza oculta de los objetos cotidianos.

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C Strasbourg. Zazilha Lotz Cruz, 2005.
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F Lyon. Zazilha Lotz Cruz, 2005.

Metal, madera y texturas, son elementos que construyen estructuras perfectas que definen la sensibilidad de la artista hacia la naturaleza de la letra, su composición, sus formas y su expresividad.Esta propuesta, construida a través de los caminos recorridos por la autora, unen sus dos pasiones: la fotografía y la tipografía.

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K Churubusco. Zazilha Lotz Cruz, 2005.

Construye un homenaje gráfico a la letra, a propósito del poema “Alfabeto imaginario” del escritor colombiano Rafael Pombo, un alfabeto que nace de la imaginación, escondido en los detalles ocultos de la ciudad.El universo artístico de Zazilha, quien ha construido esta serie de imágenes a partir del blanco y negro, guardan la memoria de su andar a través de ciudades separadas por la distancia, unidas por la mirada y la fascinación por la forma, nos trasladan a través de paisajes entre México y Francia, recorriendo jardines, iglesias, museos y sus memorables calles.

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P annecy. Zazilha Lotz Cruz, 2005.

Nos muestra formas que sugieren letras, letras que sugieren formas: paisajes tipográficos. Detalles minúsculos que construyen imágenes. A través de esculturas, puertas, ventanas, escaleras… nos sugieren una laberíntica R, la memorable M que nos muestra “La Défense” en una tarde lluviosa en París…“Alfabeto imaginario”, define la construcción tipográfica como signo. La sensible mirada de Zazilha Lotz, constituye un homenaje a la letra a través del lenguaje poético, nos invita a descubrir la belleza insospechada de los caminos que vamos cimentando en nuestro andar cotidiano.“Alfabeto imaginario”, nos transporta al imaginario de la letra, un viaje a través de la imagen como metáfora del signo lingüístico.

Esta colección de imágenes se exhibió en el Museo de la Bandera, desde 8 de marzo hasta el 5 de abril de 2013. Benito Juárez s/n esq. Francisco I. Madero, Centro, 40000, Iguala de la Independencia, Gro.

La autora es egresada la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM.
(Publicado el 28 de enero de 2014)

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X Ópera de París. Zazilha Lotz Cruz, 2005.

Acerca del proyecto “Alfabeto imaginario” en palabras de la autora

Existe en mí el interés y fascinación por la forma en que descubrimos, percibimos e interpretamos las cosas que nos rodean. Acompañada de mi cámara, he emprendido la búsqueda de formas que remiten a las letras de nuestro alfabeto en el ambiente urbano, las cuales capturo fotográficamente.

Este proyecto nació en el 2005 en una clase de diseño editorial que cursé en la Universidad Nacional de Colombia con el profesor Orlando Beltrán Duque, que retomé y he ido enriqueciendo a través de los años. Las imágenes que presento son una selección de las que he fotografiado caminando y conociendo tierras francesas y en mi amada Ciudad de México, pero día a día sigo apreciando y capturando más formas, disfrutando y aprendiendo de las maravillas y encantos de las dos áreas que más me gustan del diseño: la tipografía y la fotografía.

El texto poético Alfabeto imaginario del escritor colombiano Rafael Pombo (1833-1912), da nombre a esta colección.

Zazilha Lotz

Contacto: lotz_zazilha@yahoo.com.mx

Joel-Peter Witkin. Una toma en primer plano

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Por Adriana Romero.

Inmersos en una era donde lo visual toma dimensiones gigantescas en nuestra escala de valores –no sólo por los espectaculares de las grandes urbes sino por el constante asedio en todos los medios de comunicación, donde la relevancia de la imagen y en particular la de la fotografía son dignos de hacerles un espacio para su reflexión– nos encontramos en un lugar donde la imagen fotográfica ha evolucionado desde sus inicios hasta llegar al daguerrotipo1. Ya no se ocupan las reflexiones actuales en torno a la obtención de una imagen a partir de un procedimiento químico, sino que ahora también se ocupan de aquellas que surgen de programas de computadora tales como el Photoshop. No se tiene ninguna pretensión de descartar a la fotografía química, con todos sus procesos experimentales dentro del cuarto oscuro y la pigmentación sobre el papel impreso de una imagen fotográfica, sino que, más bien, ahora son considerados ambos medios, de manera sincrónica, por medio de los cuales se pueden obtener ciertos resultados (los procesos van, incluso, desde escanear una imagen realizada en el cuarto oscuro para transformarla y ofrecer una nueva propuesta mediante la manipulación a través de un programa de computación). Considerando esta posibilidad, el origen de la imagen sigue siendo, a saber, el arte de obtener imágenes a partir de la acción de registro mediante el uso de la luz; ya sea mediante una huella captada por una reacción química ante ésta o ya sea a través del uso de receptores eléctricos fotosensibles.

El origen lumínico de una fotografía no está en cuestión sino más bien, lo que resulta de interés es la distancia que recorre la imagen –más o menos análoga, basada en un referente “real” obtenida de un objeto– y el camino sobre el que ella transcurre, pasando por toda una gama de posibilidades que están relacionadas con su proceso de transformación hasta llegar a un resultado deseado. En este sentido, se pretende que una imagen simbólica, plena de mensajes que requieren de todo un mecanismo (dado su vasto contenido), muestre su esencia por medio de su decodificación para conocer, así, su verdadera dimensión icónica.

Lejos de las tentaciones del Photoshop, se observa a un hombre bajo la penumbra de una luz rojiza, entre olores a vinagre y sonidos de agua corriendo de una llave. Abstraído, concentrado en su creación va surgiendo a la vida, entre destellos de una luz pobre sobre un líquido oscuro inmerso en una charola, la imagen se va revelando ante sus ojos. Es el fotógrafo norteamericano Joel Peter Witkin (13 de septiembre de 1939, Brooklyn, Nueva York), quien en sus propias palabras asegura “I’m going to die printing”2:

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The Invention of Milk (New México, 1982). Plata/gelatina.
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Potrait of the Holocaust (New México, 1982). Plata/gelatina.

Hijo de Max Witkin, judío de origen ucraniano, y de Mary Pellegrino, ferviente católica de origen italiano –quien guio a sus hijos por la vía del Vaticano– Joel-Peter Witkin, cuyo nacimiento fue toda una revelación trinitaria –seguramente para la madre, ya que tuvo trillizos siendo Joel-Peter y otro de sus hermanos (quien es pintor) los sobrevivientes de tal revelación (el tercero murió al nacer)–cuyo efecto resulto ser determinante en el desarrollo de su obra dado que en sus trabajos incluye imágenes de mujeres con hijos muertos en el vientre. Tales rasgos pueden ser apreciados en obras como The Invention of Milk (New México, 1982); Potrait of the Holocaust (New México, 1982), en la cual aparece una mujer sosteniendo a 3 fetos-bebes de sus pies, y en Siamese Twins, (Los Angeles 1988), imagen que muestra el eco de un parto múltiple.

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Siamese Twins, (Los Angeles,1988). Plata/gelatina.

La selección del universo visual marca la visión del fotógrafo. Witkin crea el entorno, prepara el atrezzo y se concentra de manera relevante en la selección de sus modelos. En torno a esto, el artista se concentra en escoger cuerpos en la morgue, o en la escuela de medicina en la Ciudad de México, o mediante una respuesta a un anuncio del periódico –donde él solicitara a individuos que encarnarán verdaderos “mitos vivientes”: Cualquier “mito viviente”… cualquier persona con las heridas de Cristo.3

El resultado: cuerpos fragmentados, (vivos o muertos), una estética fotográfica que evoca al daguerrotipo; un énfasis al uso de referencias y citas a obras muy específicas en la historia del arte son lo que conforman su obra.

Witkin, coloca a la creación artística en un nivel similar al de la santidad y la avecina al lugar donde se encuentra el Creador:

Si muestro la muerte, es porque incluso en esas condiciones yo reconozco este poder de la realidad que no imagino poder reproducir, ni siquiera las obras de Miguel Ángel o Leonardo. La Piedad o la Virgen de las rocas, no importa lo maravilloso que sean, son sólo reproducciones de la mente humana, mientras que la realidad de la carne, viva o muerta, es una creación de Dios. Si Witkin es un fotógrafo, es porque quiere trabajar con el poder de la realidad. Y debido a que es omnipotente, es ello sin duda lo que le permitirá acercarse más a Dios.4

Tocado o no de gracia divina, Witkin se ve a sí mismo como un apóstol de la creación; un profeta que plasma la crudeza de la finitud humana: otorgándole vida y permanencia a través de una fotografía. Sin embargo, para profundizar en su obra se requiere, de más tinta y de páginas. Esta historia continuará…

(Publicado el 28 de enero de 2014)


1. Es un procedimiento fotográfico conocido así, por la derivación del nombre de su inventor Louis Daguerre, en el año de 1839. Esta técnica permitía fijar en una placa de cobre las imágenes obtenidas con la cámara oscura.

2. Thames & Hudson (editor) Joel-Peter Witkin, en Photofile, New York, 2008.Con 64 ilustraciones e introducción de Eugenia Parry, p. 8. Traducción: “Voy a morir, imprimiendo”.

3. Ibid, p.6. Any living myth. Anyone bearing the wounds of Christ.

4. Ibid, sin página. If I show death, that’s is because even in that condition I recognize this power of reality that no imagined work can reproduce –. not even the works of Michelangelo or Leonardo. The Pieta or the Virgin of the Rocks, no matter how wonderful they are, are only reproductions of the human mind, while the reality of flesh, living or dead, is a creation of God”. If Witkin is a photographer, it is because he wants to work with that power of reality. And because it is omnipotent, it is certainly what will enable him to get closer to God.

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