Orfebrería | Revista .925 Artes y Diseño

Revista de la Facultad de Artes y Diseño plantel Taxco

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Orfebrería

Memoria histórica del Taller de Platería y Joyería Fina

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Por Francisco Javier Jiménez Velázquez.

Este año nuestro plantel FAD Taxco cumple 25 años de existencia con el auspicio de la Universidad Nacional Autónoma de México, por tal motivo en esta edición de la Revista .925 Artes y Diseño, me permito hacer un recuento histórico de lo que ha sido el Taller de Platería y Joyería fina (como siempre se le ha conocido), dentro la estructura de nuestro centro educativo.

Durante 25 años nuestro taller ha estado brindando diversos cursos incorporados a la vida académica de la UNAM, cabe mencionar que su creación data de años anteriores, de la década de los ochenta cuando se crea el Instituto de Artes Plásticas bajo la dirección del reconocido escultor Francisco del Toro (q.e.p.d.), quien tuvo la misión de reclutar al personal académico para la impartición de los talleres que se ofrecerían al público en general, dichos talleres fueron Escultura, Grabado, Pintura, Fotografía y Platería.

El perfil del emergente Instituto de Artes Plásticas fue parecido al de una Casa o Instituto de Cultura como normalmente se les conoce a estos centros de educación cultural; organismos que por lo general son manejados y financiados por los Ayuntamientos Municipales o Asociaciones Civiles particulares, como funcionó en su momento el Instituto que estuvo por mucho tiempo sustentado por el H. Ayuntamiento Municipal de Taxco de Alarcón.

Por esos años en particular se contaba con mucha demanda del público extranjero que se interesaba especialmente por venir a Taxco a aprender el oficio de la platería, interés despertado por la buena fama internacional con la que ha contado nuestra ciudad desde hace años, por la calidad de sus productos, la calidez de su gente, por las destrezas manuales de sus orfebres, sus festivales y festividades culturales y por la belleza del entorno natural único que caracteriza a esta ciudad que además está rodeada de verdes montañas y pintorescos pueblos vecinos ligados a esta ciudad colonial.

Derivado de dicha fama, el Instituto de Artes Plásticas tuvo el acierto de implementar en su oferta académica cursos especiales de técnicas tradicionales de platería para la elaboración de objetos de joyería y orfebrería en general, iniciando así con la impartición de los cursos de fundición a la cera perdida, vaciado en tierra, repujado, cincelado, troquelado y joyería fina. Para tal fin fueron invitados a ser partícipes de este proyecto, maestros plateros especialistas en cada una de las técnicas mencionadas, dichos maestros fueron, Adán Alvarado (actualmente retirado), Francisco Galindo (q.e.p.d.), Filiberto Gómez (q.e.p.d.), el Mtro. Ramos (actualmente retirado), y Bruno Pineda que se mantiene laborando para este Plantel, y quien además este año cumplió noventa años de vida. La mayoría de estos maestros, dedicados al oficio de la platería han participado de diversas actividades relacionadas con esta su profesión como es el caso del maestro Bruno pineda quien ha aportado su experiencia a partir de haber participado como manager de taller de su hermano Antonio Pineda (q.e.p.d.); como controlador de calidad de mercancía para su exportación y que además se ha dedicado a la enseñanza de la platería en nuestra escuela hasta estos días.

Maestro Filiberto Gómez
El Maestro Filiberto Gómez. (Fotografía de archivo)

Por largo tiempo estuvo operando el Taller de Platería y Joyería Fina con mucho éxito en la formación de nuevos artesanos plateros, nacionales y extranjeros que en muchos casos algunos de ellos se han quedado a radicar en Taxco montando su propio taller, incluso adoptando la nacionalidad mexicana, originándose de ésta manera una mezcla cultural de ideas con resultados muy interesantes en la creación de nuevas propuestas de obra platera.

Maestro Bruno Pineda
El Maestro Bruno Pineda. (Fotografía de archivo)

La fama del Taller trascendió principalmente por la calidad técnica de los excelsos maestros plateros, como lo mencionamos en un principio, cada uno especialista en una técnica específica, aunque también tenían conocimientos generales sobre las demás.

El maestro Francisco Galindo fue un excelente conocedor de técnicas antiguas de vaciado en tierra, él enseñaba a sus alumnos a preparar materiales y a construir herramientas básicas, muy rudimentarias pero eficientes para la técnica que se caracterizaba por ser rústica, remitiéndonos a los orígenes de la metalurgia precolombina. En contraparte, el maestro Adán Alvarado impartió la técnica de la cera perdida la cual era considerada como innovadora en los procesos técnicos de fundición; el Mtro. Ramos, por su parte, fue un especialista para los procesos industriales de reproducción masiva con maquinaria, con sus amplia experiencia en el manejo de las máquinas, le tocó la encomienda de montar los pesados equipos mecánicos que aún se pueden observar en el taller como son las laminadoras, además de éstas, se contaba en el Taller con un torno rechazador, troqueladoras, cortadoras y pantógrafos.

Dentro de este pequeño gremio se les tenía un especial afecto, y respeto por su talento, a los maestros Filiberto Gómez y Bruno Pineda quienes fueron considerados los pilares del taller, incluso por los de mayor influencia en el Instituto, ambos siempre fueron requeridos para la elaboración de obras especiales que otros orfebres solían rechazar por el alto grado de complejidad que éstas representaban para su realización.

“Don Fili” como se le conocía afectuosamente al maestro Filiberto Gómez era un audaz platero experto en las técnicas de orfebrería, en especial en el repujado que dentro del grupo de las técnicas tradicionales de la platería es de las más complicadas, pero también de las más bellas, ya que ésta se caracteriza por ser una técnica que tiene mucho que ver con el quehacer escultórico, dentro del gremio platero son pocos los virtuosos en el manejo de esta técnica, si bien es cierto que quienes son parte del gremio la conocen, sólo algunos cuantos logran dominarla con maestría absoluta. Quizás dentro de esta minoría “Don Fili” haya sido el mejor exponente de todos, quien en sus diversas creaciones, tiene el honor de haber hecho obras especiales, de carácter jerárquico para honorables personalidades, obras que quedarán para la posteridad, destacándose un báculo papal producido para el Papa Juan Pablo II; algunos collares para la Reina Isabel de Inglaterra además de dejarnos parte de su legado en México en tanto participo en la elaboración de muchos encargos especiales para políticos, entre los que se destacan una silla de plata hecha para la Presidencia, y abrecartas con motivos prehispánicos que fueron realizados acorde al gusto de algunos políticos. Cabe destacar que entre sus obras notables existe una muy especial, y que todos hemos visto alguna vez, al menos por televisión: se trata del águila de plata que representa nuestro escudo nacional y que engalana la Cámara de Senadores, símbolo de este recinto, que en cada sesión se le puede apreciar en toda su magnitud en el presídium principal.

Águila de plata que representa el escudo nacional mexicano y que engalana la Cámara de Senadores de la República.
Águila de plata que representa el escudo nacional mexicano y que engalana la Cámara de Senadores de la República. (Fotografía de archivo)

Este emblema nacional fue elaborado en nuestro Taller, por parte del ingenio creativo del maestro Filiberto Gómez; encargo que sólo él y su destreza técnica pudieron hacer posible. Desgraciadamente a “Don Fili” nunca se le ha dado el reconocimiento que se merece dentro del gremio y hay que admitirlo, como ocurre siempre en la mayoría de los oficios artísticos y la platería, no es la excepción, dentro del medio ha existido mucha vanidad y siempre existió mucho recelo profesional hacia él por parte del gremio, sólo quienes lo conocimos y tuvimos la fortuna de que nos compartiera sus conocimientos como alumnos, sabemos lo generoso que fue como maestro y el gran amigo que fue como persona.

Por su parte, el maestro Bruno Pineda, quien hasta la fecha sigue su noble labor dejándonos su legado de conocimientos, ha sido el experto en el campo de la joyería fina, amante y conocedor de las piedras naturales, dentro de sus consentidas la amatista, la mayoría de su extensa obra está inspirada especialmente en el uso de esta hermosa piedra púrpura, que por fortuna suele encontrarse en suelo guerrerense, y que incluso se le ha considerado por su extraordinaria belleza como de las más hermosas del mundo.

El maestro Bruno identificado con esta piedra, ha sabido elaborar con su talento innato una extensa variedad de joyería fina y la mayoría de ésta se ha comercializado en el extranjero, gustando siempre de trabajar con metales preciosos como la plata y el oro, combinándolo con los colores naturales de las piedras resaltando la belleza de éstas, para él siempre ha sido importante la calidad de los materiales, en su obra personal nunca se le verá utilizando materiales sintéticos, porque simplemente nunca tendrán la belleza requerida para complementar una verdadera joya, que es lo que él ha estado haciendo en toda su vida profesional: joyas únicas.

Por su destreza técnica para la elaboración de joyería, y aunado a su vasto conocimiento sobre las piedras preciosas, sus cursos han sido desde los inicios del taller hasta la actualidad los que cuentan con más demanda por parte del público tanto nacional como extranjero por fortuna, el maestro Bruno, uno de los iniciadores del Taller, aún se mantiene activo y con mucho ánimo impartiendo sus valiosos conocimientos teóricos y técnicos y apoyando a la formación de nuevos talentos.

A partir de 1993, el Instituto de Artes Plásticas pasó a formar parte de nuestra prestigiosa Universidad Nacional Autónoma de México generándose algunos cambios importantes en el pequeño plantel.

Formando parte de la Escuela Nacional de Artes Plásticas dependiente de la UNAM, el Taller continuó impartiendo todos sus cursos de platería, pero en ese tiempo complementados con clases de diseño de objetos impartidas por el Mtro. Manuel Sánchez Santoveña, además de clases de Historia del Arte que fueron impartidas por la Mtra. Gilda Cárdenas y de Dibujo por parte de la Mtra. Enriqueta Rossette. El primer Coordinador Académico fue el Mtro. Arturo Miranda Videgaray, le siguieron en el mando el Mtro. René Contreras Osio, el Mtro. Manuel Sánchez Santoveña (q.e.p.d.), y la Mtra. Sol Garcidueñas López. El nivel académico se vio favorecido por la inclusión de las clases complementarias impartidas por los catedráticos de la UNAM, y especialmente incidió en la parte creativa con las clases de diseño y dibujo que fortalecieron nuestros cursos de platería ayudado a una mejor formación, de tal modo que la oferta académica se renovó, ofreciendo cursos y diplomados de platería en la modalidad de Educación Continua.

En el 2011 inició una nueva etapa, surgieron nuevos cambios, la UNAM decide impartir Licenciaturas en nuestro Plantel, a raíz de esto, el Taller de Platería y Joyería Fina ha venido evolucionando, enfrentándose a nuevos retos y nuevas metas que demanda la actual sociedad. Lo que en un principio consistía en aprender técnicamente el noble oficio de la platería hoy en día se hace con base en una rigurosa profundización de conocimientos generales para obtener una preparación profesional, para esto se ha estado trabajando arduamente para concertar lo mejor de nuestro oficio con la grandeza cultural de nuestro país.

Actualmente la responsabilidad en el plantel la comparten el Mtro. Jorge Soto Curiel y la Mtra. Mayra Uribe Eguiluz. Lo que ayer era un modesto Instituto de Artes Plásticas hoy en día es la Facultad de Artes y Diseño, Plantel Taxco perteneciente a la UNAM, aunque hemos sido golpeados últimamente por la inclemencia de la naturaleza, nuestro Taller de Platería y Joyería Fina sigue de pie, refrendando su compromiso de salvaguardar el legado cultural que nos ha sido compartido por tal razón honramos a esos nobles maestros plateros que tuvieron a bien dejarnos todo su conocimiento en este taller para compartirlos con la humanidad. Un gran reconocimiento para ellos y agradecimiento por sus magníficas enseñanzas. ¶

El autor es Profesor adscrito a la Facultad de Artes y Diseño Plantel Taxco de la UNAM.
Contacto: taurosfantasy@yahoo.com
(16 de noviembre de 2017)

Esmaltado sobre metal, por segunda ocasión presente en el Taller Infantil de Artes Plásticas FAD Taxco 2017

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Por Alan Gómez Monjaraz.

Desde hace siete años se lleva a cabo el Taller Infantil de Artes Plásticas en el plantel Taxco de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Por segunda vez consecutiva los niños del Taller Infantil trabajaron el esmaltado.

Como antecedentes considero importante mencionar que en la década de los noventa, para ser precisos del año 1995 al 2000, el Profesor Mario Rodríguez Díaz[1], impartió talleres mensuales de artes para niños en el Centro de Extensión Taxco de la ENAP, ocupando el mismo espacio que hoy en día habita el taller de esmaltes de la FAD Taxco y que lo ha venido haciendo desde el año 2001.

Por otro lado, cuando la Escuela en Taxco era un Centro de extensión de la entonces Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, se impartían talleres de educación continua para niños por parte de la profesora Esperanza Rivera Bahena[2]. Las clases eran impartidas en un pequeño salón ubicado en la parte inferior del edificio donde se encuentra hoy en día la Coordinación del plantel. Espacio conocido hasta la fecha como el “taller infantil” y que actualmente es utilizado como bodega y taller de mantenimiento. Lugar que por algún tiempo también fuera ocupado por el profesor Rodríguez. La profesora Rivera Bahena atendía un promedio de ocho alumnos, quienes aprendían principalmente técnicas de pintura y escultura.

El Taller Infantil de Artes Plásticas, fue fundado el 21 de mayo de 1983 y coordinado desde aquel entonces por la maestra Evencia Madrid Montes. Se ha caracterizado por el desarrollo de obras dentro de las diferentes disciplinas de las artes, procurando estimular en los niños la imaginación y creatividad, además de fortalecer su convivencia con la sociedad y el entorno que los rodea.

© Jonathan Morales Ocampo, 2017
© Jonathan Morales Ocampo, 2017

Con alumnos prestadores de servicio social, previamente capacitados por maestros con técnicas avanzadas para su labor, en el TIAP se manejan métodos que ayudan a reavivar la fantasía de los chicos utilizando técnicas como: reciclado de papel, introducción al modelado, lápices de cera, batik, falso vitral, introducción al grabado y, en las más recientes ediciones, esmaltado a fuego sobre metal. La conservación de oficios tradicionales en una sociedad gobernada por el consumo, la preservación de valores y significados, han sido algunas de las tareas que considera el Taller Infantil de Artes Plásticas, fundado por la Universidad Nacional Autónoma de México en la Escuela Nacional de Artes Plásticas.

La primera vez que fueron vistos procesos de esmaltado sobre metal en el TIAP Taxco, fue posible gracias a la idea y gestión del alumno Irving Olalde Ocampo[3], egresado de la primera generación de la licenciatura en Artes Visuales (2012-2015) de este plantel. En dicha ocasión únicamente participaron los niños pertenecientes al grupo con mayor edad de entre 9 y 13 años, trabajando con piezas de lámina negra esmaltadas con esmalte industrial y sobrecubierta de esmalte para vidrio.

© Jonathan Morales Ocampo, 2017
© Jonathan Morales Ocampo, 2017

Este año a petición de la maestra Mayra Uribe Eguiluz, coordinadora de las Licenciaturas de la FAD, Plantel Taxco, los tres grupos de las diferentes edades pudieron conocer los procesos y trabajar con los materiales. Cada grupo trabajó durante una sesión de cuatro horas. Previo al trabajo con los niños los asesores fueron capacitados durante una semana en el taller, para conocer las diferentes técnicas del esmaltado. De igual forma tuvieron que preparar las piezas que los niños esmaltarían. Si bien, el proceso de horneado y quema con soplete de las piezas fue realizado por los asesores para evitar poner en riesgo a los niños, a ellos se les explicó claramente el proceso y en algunos casos pudieron observarlo.

Los alumnos de las licenciaturas de Arte y Diseño y Artes Visuales capacitados en el taller de esmaltado para fungir como asesores del TIAP fueron: Pilar Roalandini Jenner, Alison Meza López, Juan González Pérez, Gustavo Tovar Vilchis, Jonathan Morales Ocampo y Yair Ramírez Cerezo[4].

El 29 de julio del 2017 se montó una exposición en el Museo de Arte Virreinal de la ciudad de Taxco de Alarcón, donde fueron mostradas las piezas elaboradas por los niños, y que tuvo una duración de un mes. Algunos de ellos portaron durante la inauguración, un dije de cobre esmaltado por ellos mismos en el taller.

© Jonathan Morales Ocampo, 2017
© Jonathan Morales Ocampo, 2017

Al concluir la ceremonia de clausura de la exposición el día 28 de agosto, la Maestra Evencia Madrid expresó estar muy satisfecha con los resultados obtenidos en la reciente edición en cuanto al trabajo de esmaltado sobre metal se refiere. De igual forma planteó la posibilidad de que en el TIAP de la FAD Xochimilco se replique el trabajo de esmaltado a fuego sobre metal, en las futuras ediciones. Así como dar continuidad dentro del plantel Taxco al uso de esmaltes en el TIAP, actualmente coordinado por la Maestra Cristabel Esquivel García[5]. ¶

El autor es Profesor adscrito a la Facultad de Artes y Diseño Plantel Taxco de la UNAM.
Contacto: aerealemaux@hotmail.com
(16 de noviembre de 2017) 

Referencias

  • Entrevista realizada al Profesor Mario Rodríguez Díaz, quien fuera profesor del Taller infantil del Centro de Extensión Taxco de la ENAP. 3 de Octubre del 2017.
  • Entrevista realizada a la Contadora María Teresa Jaimes, Delegada Administrativa de la FAD Taxco. 1 de octubre del 2017.
  • Entrevistas realizada a la Maestra Evencia Madrid Montes Coordinadora del TIAP. 26 de Agosto del 2017.
  • Entrevista realizada a la Maestra Cristabel Esquivel García. 4 de octubre del 2017.
  • http://blogs.fad.unam.mx/academicos/evencia_madrid/?page_id=35

[1] El Profesor Rodríguez Díaz atendió el taller infantil, donde los niños aprendían, dibujo, literatura y creación de cuentos, en la época en que fueron coordinadores del plantel los maestros Arturo Miranda, René Contreras y Manuel Santoveña, los trabajos realizados por los niños fueron expuestos en su momento, en el Museo de Arte Virreinal y el Centro Cultural Taxco Casa Borda.

[2] La Profesora Bahena impartió el taller infantil únicamente tres años del 2001 al 2005.

[3] Irving Olalde Ocampo ha sido uno de los alumnos más comprometidos con el trabajo del esmaltado a fuego sobre metal; participó en la primera exposición realizada por alumnos de licenciatura, titulada “Tres enfoques del Caos Urbano” que se presentó en 2012, en el Museo Virreinal Casa Humboldt de Taxco de Alarcón, Gro., en abril y posteriormente en la Casa de la Ciencia de la UAEM, en Cuernavaca, Mor., en mayo.

[4] Algunos de ellos pudieron cubrir su servicio social con las actividades realizadas durante la capacitación y la impartición de los talleres.

[5] La maestra Cristabel Esquivel es Coordinadora del TIAP Taxco a partir del 2017

El cambio generacional en el diseño de obra de platería

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Por Francisco Javier Jiménez Velázquez.

Hoy en día, dentro del oficio de la platería se está percibiendo una etapa de transición en la que se están gestando cambios relevantes, cambios que van desde las estrategias comerciales, porque la competencia para vender los productos es más fuerte a consecuencia del gran número de productores que hay, en tanto el mercado global no es el mismo de años atrás a diferencia de las épocas de bonanza donde se comercializaba exageradamente grandes cantidades de mercancía de plata y de metales semipreciosos como alpaca, cobre, latón y tumbaga.

En la actualidad la comercialización de la plata se torna un tanto difícil por muchos factores, siendo el principal problema la fluctuación de la cotización de la plata, la desestabilización del costo del blanco metal complica el comercio del mismo, otro factor que afecta es el aumento constante en el costo de la materia prima que se ocupa para la complementación de la obra como piedras preciosas naturales y sintéticas, maderas, cristales, etcétera. Con lo anterior, se pueden entender las dificultades por las que atraviesa el gremio de los plateros quienes hacen esfuerzos por mantenerse vigentes y preservar el oficio.

Por otra parte, en el campo del diseño también se puede percibir que se está gestando un cambio importante, si bien es cierto que se continúa explotando el diseño prehispánico, emblemático de la artesanía mexicana y símbolo de nuestra entidad, poco a poco hay nuevos creadores y artesanos experimentados en el oficio que se aventuran a presentar nuevas propuestas atendiendo a la problemática actual, inmersos en una nueva era donde día a día se convive con cosas nuevas, tanto en la vida cotidiana como en la laboral, como consecuencia de esto, el diseño de objetos también va evolucionando de acuerdo al paso generacional que se está viviendo.

En dicha evolución participan varios factores que van desde la consideración de materiales novedosos, el uso de los avances tecnológicos en la manufactura, las diversas formas mercadotécnicas, pero principalmente la que se da en la mentalidad de la sociedad, cada vez más acostumbrada a los cambios constantes provocados por múltiples acontecimientos.

En este sentido, y volviendo al tema del diseño, se está viviendo una nueva etapa donde poco a poco va surgiendo un cambio generacional que trae consigo ideas frescas, atrevidas, que incluso pudieran considerarse inapropiadas para algunos, sin embargo, estas nuevas propuestas dotadas de contenidos no tan convencionales están apostándole a darle una nueva faceta a la producción de obra platera.

Conscientes de estos grandes cambios en el Laboratorio de Investigación y Experimentación del Oficio Platero, de la Facultad de Arte y Diseño, Plantel Taxco, no se ha visto con malos ojos este fenómeno y, al contrario, sumando esfuerzos se está impulsando a nuevos talentos, que contribuyen con ideas novedosas pero con la consigna de preservar el oficio que hemos heredado –es decir, es bienvenido el apoyo tecnológico pero siempre tendrá mayor relevancia el factor humano– tanto en la elaboración del diseño como en la fabricación de la obra.

Con estos valores, los alumnos son guiados para desarrollar sus propuestas. Como ejemplo de ello, tenemos a Yahir Jehiel Ramírez Cerezo quien, sin dejar de lado raíces y principios de mexicanidad, ha sabido aprovechar el lenguaje visual de los materiales que pueden verse en su serie de obras “Vegetales y frutos mexicanos”. Yahir, mediante esta serie, explota las cualidades estéticas de la piedra cambiando el significado real de la materia –es decir, se vale de la apariencia de un material para resignificarlo en otro que es intervenido con las técnicas tradicionales de la platería a partir de metales preciosos como la plata, así como valiéndose de algunas aleaciones–, consiguiendo interesantes objetos utilitarios y de joyería en donde puede ser identificado un estilo propio que ya lo caracteriza.

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Autor: Yahir Jehiel Ramírez Cerezo De la serie “Vegetales y frutos mexicanos”.

Por otra parte, dentro de estas mismas propuestas, tenemos la obra de Xaviera Sofía Prado Vázquez, cuya característica es la sutileza, tanto en la producción de objetos utilitarios como en la joyería. En ambos casos, la artista logra combinar de manera sabia los materiales presentando impensables contrastes. Como ejemplo de ello, mediante su pieza “El caballito”, Prado, nos muestra su destreza en el manejo de los volúmenes consiguiendo una excelente factura en los acabados sobre el metal a la vez que nos asombra con su acertada decisión de integrar una esfera translúcida, que irónicamente permite que visualmente el pesado metal flote.

Autora: Xaviera Sofía Prado Vázquez “El caballito”
Autora: Xaviera Sofía Prado Vázquez
“El caballito”

En ambos casos, tanto Yahir como Sofía, tuvieron que pasar por un largo proceso de exploración en el diseño de objetos, en la experimentación de materiales y procesos técnicos de manufactura, todo este trabajo disciplinar es indispensable para trascender en la creación de obra, se tienen que correr riesgos, invertir tiempo, pero principalmente tener la intención de buscar para lograr alcanzar los objetivos trazados, que con trabajo y perseverancia en el taller tarde o temprano se obtiene. Al final la recompensa siempre será de gran valía. De esta forma, el Taller de Investigación y Experimentación del Oficio Platero de la Facultad de Artes y Diseño, Plantel Taxco, participa en la labor, tanto con el público nacional como con el extranjero, de formación de talentos que le siguen aportando innovaciones al noble oficio de la platería mexicana a la vez que lo preservan. ¶

El autor es Profesor adscrito a la Facultad de Artes y Diseño Plantel Taxco de la UNAM.
Contacto: taurosfantasy@yahoo.com
(16 de agosto de 2017) 

Diplomado en diseño de platería, joyería, objeto utilitario y objeto artístico

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Por René Contreras Osio.

Es notoria la emergencia de los diseños en los campos en que tradicionalmente ha predominado el arte; esto es, el sistema cultural y el mercado, así como en los programas pedagógicos y académicos. Considerado aun por muchos como el hermano menor del arte; para bien o para mal, el diseño se ha abierto camino valiéndose de estrategias propias y otras semejantes a las del arte y los artistas: el culto a la personalidad del diseñador como sujeto creador, la creación del diseño como la “obra” de carácter experiencial, con “discurso” y trascendental, a la vez que a la capacidad de proporcionar al público/usuario experiencias más allá de la utilidad del objeto mismo.

En su afán emergente y por su propio carácter interdisciplinario, el diseño ha incorporado a su vez, códigos y problematizaciones propias del arte; en ocasiones ha tomado distancia de la artesanía, en otras se le acerca peligrosamente para parasitarle algo de su utilidad o esencia de sus procesos de producción, que le sirve de muleta para autodefinirse éticamente como “puro y honesto”. También, y dado su carácter de objeto de consumo, no tiene empachos en cotizarse al parejo de una obra de arte, o bien, emulando al arte, renuncia a sus fines utilitarios para situarse en el campo de la especulación simbólica y muy cercano a la especulación financiera en las ferias de arte…y diseño.

Ahora que por fin tenemos una Facultad de Artes y Diseño parece que ya es pertinente poner a discusión una serie de tópicos a los que la cultura global emergente del arte y los diseños nos empujan, entre otros: La relevancia o recuperación del oficio, utilidad de las técnicas y conocimiento de los materiales; la incorporación de nuevas tecnologías, la diferenciación en la actitud creativa del arte frente a la actitud prospectiva y de planeación de un objeto que debe estar concebido desde el principio como utilitario, es decir, la delimitación del carácter experimental e íntimo del arte frente a la planeación y objetivación necesaria del diseño.

Nuestra contribución a este debate fue la creación de este Diplomado en Diseño de platería con opción a titulación, es decir, que tuviera el valor y reconocimiento de las competencias profesionales necesarias para ejercerse en el campo del diseño y, por otro lado, ampliar las posibilidades de titulación de las licenciaturas impartidas en la Facultad de Artes y Diseño, Plantel Taxco. Desde la experiencia docente y profesional hemos propuesto una serie de objetivos, contenidos y ejercicios programados para generar un proceso teórico/práctico y un producto final, cuyos alcances están a la vista en la memoria del Diplomado.

La creación del Diplomado se apoya en antecedentes varios: primero, en nuestra afinidad profesional y creativa en el campo del diseño de objetos a partir del uso de metales nobles; luego, en la práctica docente perteneciente a las mismas áreas y, finalmente, en una serie de factores y contextos económicos y sociales precedentes de esta práctica creativa que enumeraré a continuación.

Diplomado Martha

Antecedentes pedagógicos desde la academia

Los resultados obtenidos, durante los cuatro años que se impartió la asignatura Objetos y modelos tridimensionales en metales ornamentales y utilitarios, por la profesora Carmen Tapia, formada en los campos de la filosofía y las artes plásticas, y además heredera de la tradición familiar en platería y lapidaria, fueron fundamentales para elaborar las estrategias pedagógicas desde las perspectivas de la historia y teoría de los problemas del arte, de las intersecciones entre arte, artesanía y diseño; así mismo, como lo fueron: la pertinencia del dominio técnico, a partir de las herramientas manuales y automatizadas; el conocimiento profundo y una particular filosofía respecto a los atributos de la materia y sus procesos de transformación; la planeación, como elemento imprescindible de la consecución de objetivos claros, sin dejar de lado la experimentación consciente y el azar o el accidente fortuito.

La experiencia pedagógica y profesional, en el diseño industrial, del profesor Jorge Soto, contribuyó decisivamente a ordenar el pensamiento proyectual de los participantes. De igual manera, la larga experiencia del profesor Javier Jiménez en las técnicas de la platería, hicieron posible el adiestramiento necesario para la construcción de los diseños. Por otra parte, participaron también de este Diplomado el Maestro Eduardo Álvarez del Castillo quien apoyó en el área de documentación fotográfica y un servidor, quien desde mi formación en las Artes Visuales he incursionado en el basto campo creativo y pedagógico del diseño en metales.

El diseño desde la periferia

A lo antes dicho habría que agregar que el contexto social y económico de Taxco responde a éstas y otras cuestiones en donde el diseño y los metales nobles han conformado las formas productivas, la idiosincrasia local, así como la sensibilidad y el gusto popular. En este sentido, nuestra propia Institución está enclavada en una ex hacienda del siglo XVI de beneficio de mineral, heredera de conquistadores, personajes célebres, artesanos y artistas que alguna vez deambularon por sus jardines; en esta misma locación funcionó el Instituto de Artes Plásticas, que después fue retomado por el entonces Centro de Extensión Taxco de la ENAP, donde sobrevivieron y se preservaron las disciplinas artesanales de la platería local a través de Maestros plateros, del oficio y la forma.

Diplomado Alejandro

El Taxco de las Vanguardias del siglo XX

No hay que olvidar que, en Taxco, desde los años 30 del siglo XX, se gestaron importantes movimientos dentro del diseño local y mundial. Mientras el movimiento muralista estaba en su apogeo, los plateros locales estuvieron expuestos al rico intercambio cultural que propiciaban sus propios viajes, generalmente a Nueva York, a la afluencia de artistas, intelectuales, diplomáticos, refugiados y exploradores del mundo que pasaban largas temporadas en Taxco; en ese caldo de cultivo y al contacto con vanguardias internacionales, la producción de objetos y joyería tuvo un alto impacto en el coleccionismo mundial, principalmente en Estados Unidos y Europa pero no en México, donde nunca se formuló un gusto ni coleccionismo en la joyería de autor y la orfebrería. Los museos nacionales no tomaron en cuenta las aportaciones formales de muchos diseñadores de entonces que no practicaron las formas ideológicas oficiales del Nacionalismo y el Muralismo, sino que se nutrieron de la arquitectura, el Art Decó, el Cubismo, el Suprematismo, la Bauhaus y el Constructivismo.

Son los grandes olvidados de las Vanguardias en México, pues desde los años 30, es decir, 20 años antes de la generación de la Ruptura, estos artesanos/diseñadores ya comulgaban con las formas mínimas, ordenadas y racionalizadas de la abstracción geométrica, aunque poco se sabe y poco se ha estudiado al respecto. Esto se debe quizá a que la joyería fue considerada superflua y frívola por las ideologías dominantes de la época, sin embargo, los objetos utilitarios producidos en Taxco pudieron dialogar abiertamente con los producidos durante la época de la Bauhaus.

Al respecto, aún hay mucho que investigar para esclarecer y narrar los procesos artísticos e históricos locales, para colocarlos en el lugar que ya tienen en las colecciones de Europa y los Estados Unidos en donde se encuentran las mayores fuentes bibliográficas sobre este asunto.

La actualidad del Diseño

En la circunstancia global se observa la atención y relevancia que han adquirido los diseños en los mercados y ferias de Arte al participar en pabellones de diseño junto a las galerías reconocidas del arte, equiparando y legitimando en este acto la promoción y consumo del diseño como forma cultural tan relevante como el arte; esto seguramente es propiciado entre otros factores económicos y culturales, por un cambio de paradigmas del arte en la educación artística y del diseño y sobre todo, por los cambios en el ámbito del consumo del arte, los medios de distribución, y la cultura como entretenimiento e industria del espectáculo.

Así mismo, la influyente y expansionista mirada del arte hacia otros campos como el del diseño, retoma y se nutre de él, de sus procesos técnicos, materiales y metodologías –frecuentemente, reasignándole un nuevo sentido a sus propias prácticas contemporáneas.

En este contexto local y global resalta la doble importancia emergente del diseño por:

  1. el valor cultural de objeto creativo y utilitario, que lo sitúa dentro de una categoría del arte/diseño, lo que detona interesantes y novedosas problemáticas que exigen análisis y debate.
  2. el valor del diseño en el mercado internacional de la plata y los metales nobles que lo coloca dentro del mercado especulativo internacional de divisas.

La mirada desde el diseño

El diseño, a diferencia del arte, al estar inmerso en los procesos de producción, se ha visto obligado a considerar la factibilidad de la producción industrial de objetos desde la satisfacción de necesidades de los posibles usuarios; que esos mismos productos se produzcan de acuerdo a normas nacionales e internacionales de protección al ambiente y a los recursos naturales, que no tenga efectos secundarios o dañinos al ambiente o al usuario y que sea biodegradable o reciclable, entre otras preocupaciones; en este sentido, el diseño ha vuelto la mirada a los procesos artesanales de tal o cual comunidad con la finalidad, a veces justificada, de incorporar saberes y técnicas tradicionales o la mirada arqueologizante y folclorizante que se alimenta de las identidades de otros, dotándolo de plusvalía.

El diseño, al igual que el arte en sus intersecciones, genera sus problemas, sus debates y conclusiones provisionales de actualidad. De acuerdo con lo anterior, queremos que este Diplomado contribuya a esta actualidad al redirigir las miradas docentes/académicas y profesionales/creativas a los productos emanados del diseño en plata.¶

El autor es Profesor adscrito a la Facultad de Artes y Diseño Plantel Taxco de la UNAM y Coordinador académico del Diplomado en diseño de platería, joyería, objeto utilitario y objeto artístico.
Contacto: st_germain7@hotmail.com
(5 de mayo de 2016)

El cincelado o repujado, técnica ancestral en el oficio de la platería que se niega a morir

CUT Cincelado

Por Francisco Javier Jiménez Velázquez.

Esencial para la elaboración de objetos metálicos, el cincelado como lo llaman los orfebres sudamericanos o repujado como la llamamos aquí en México por sus excelentes resultados estéticos se ha mantenido vigente a pesar de los avances tecnológicos que permiten ahora a los orfebres contemporáneos elaborar objetos de joyería, orfebrería y escultura utilizando programas digitales de modelado en 3D.

El proceso de esta antigua técnica consiste en la utilización de cinceles de diversas formas, que se clasifican en tres categorías, trazadores, embutidores y aplanadores.

Los trazadores sirven para la impresión del diseño sobre la superficie que puede ser plana cóncava o convexa, las puntas de estos cinceles son filosas con formas de líneas rectas y curvas de variables formas y tamaños que ayudan a la elaboración del trazo del diseño como si fuera un lápiz con punta de metal, si se me permite la comparación.

Los embutidores se utilizan para presionar la superficie utilizando una base blanda que sirve de agarre y permite la expansión del metal consiguiendo la generación de volúmenes, pudiendo trabajar, así, altos y bajo relieves, las formas de estos cinceles son abultados de las puntas en forma de esferas perfectas, de gota, y ovalados, de diversos tamaños y ayudan a la creación de volúmenes complejos.

Finalmente, tenemos los cinceles de forma plana o llamados también aplanadores que sirven para perfeccionar los volúmenes en tanto sirven para alisar superficies y para quitar imperfecciones que se dan como resultado del trabajo en el momento en el que se va conformando la obra, de este tipo de cinceles existe una amplia variedad de tamaños que le permiten al artesano facilitarle la labor.

Merece una mención especial acerca de la base blanda que es utilizada en el manejo de esta técnica, pudiendo hacer uso de madera suave como el zompantle, resinas naturales de árboles mesclados con cera de abeja, chapopote y cargas de polvo fino cernido previamente cuya mezcla es colocada en un contenedor que permite su fácil manipulación. Algunos orfebres prefieren utilizar bases de metal blando como el plomo, aunque no es recomendable por el alto contenido tóxico.

El origen de esta técnica y de otras tantas para la elaboración de objetos diversos en metales y diferentes aleaciones se remota en las antiguas culturas andinas, no se puede aseverar con certeza exactamente dónde y cuándo se empezó a trabajar con los metales en nuestro continente, sin embargo se ha podido constatar que desde el surgimiento de antiguas culturas del Perú (Chavín de Huantar y los Paracas) en lo que se le llamó cronológicamente “Horizonte Temprano (900-200 a. C) se empezó a propagar el oficio metalúrgico.[1] Posteriormente se fue extendiendo el conocimiento de esta actividad paulatinamente por Centroamérica hasta llegar a Mesoamérica muy tardíamente.

Cincelado

Se tienen dos hipótesis interesantes acerca de la llegada a Mesoamérica del oficio metalúrgico y ambas resultan razonables, pero difíciles de precisar. La primera la manifiesta la investigadora Dorothy Hosler[2], quien estima que entre el 600 y 700 d.C, se empezó el desarrollo metalúrgico en el occidente de Mesoamérica y que éste llegó de tierras sudamericanas por vía marítima a través del intercambio comercial entre estas culturas. La segunda hipótesis que se tiene y en la que muchos autores coinciden es que el oficio se introdujo a territorio mesoamericano vía Centroamérica por medio de la expansión de algunas culturas del sur.[3]

Lo anterior es importante remarcarlo ya que todavía se tiene, erróneamente, la idea en algunos sectores de nuestra población especialmente en aquellas donde se desarrolla el quehacer metalúrgico de manera importante en el México actual, que el origen de la metalurgia en América surgió en nuestro territorio lo cual no es verdad, nuestras antiguas culturas fueron líticas por excelencia y el desarrollo metalúrgico se dio posteriormente, se debe de reconocer que a pesar de que somos diestros y hemos alcanzado un nivel de calidad considerable a través del tiempo, esto se debe a la importación del conocimiento de los pueblos antiguos sudamericanos y que gracias a esto se dio el aprovechamiento de los metales y la transformación de éstos en valiosos objetos de arte con el apoyo de las técnicas antiguas de producción como el repujado que aún perduran.¶

El autor es Profesor adscrito a la Facultad de Artes y Diseño Plantel Taxco de la UNAM.
Contacto: taurosfantasy@yahoo.com
(5 de mayo de 2016) 

[1] Longhena, María, Alva, Walter. Perú Antiguo, Historias de las culturas andinas, White Star, Barcelona. 2008

[2]  Hosler, Dorothy. Los sonidos y colores del poder, La tecnología metalúrgica sagrada del occidente de México, El colegio mexiquense, A.C, México. 2005

[3] Salinas Flores, Oscar. Tecnologías y diseño en el México Prehispánico, Teoría y práctica, Designio, México. 2010.

.980 Margot de Taxco. Pionera del esmaltado a fuego

CUT Margot 01 cyan

Por Alan Gómez Monjaraz.

Para muchos, Margot Van Voorhies fue una gran aportación en un momento importante de la platería Taxqueña, con sus diseños de joyería esmaltada y en muchos casos sin esmaltar. Habrá quienes piensen lo contrario y este artículo no está enfocado a idealizar ni convencer a nadie, simplemente es una aportación para dar a conocer a los lectores lo realizado por esta artista y algunos artesanos quienes colaboraron con ella.Margot 03 cyanVan Voorhies –originaria de New Orleans, LA., E.U.A.– llegó desde San Francisco a Taxco en la época de los años 40, se casó con Antonio Castillo. Por lo que pudimos recabar, haciendo un trabajo de investigación documental, Margot dio empleo a centenares de ciudadanos de Taxco, y hoy en día aún se siguen reproduciendo sus diseños, y cabe señalar que en muchos casos, sin permiso alguno. La mayoría de sus troqueles y diseños ya nos son utilizados, pero continúan en colecciones privadas.

Todo comenzó en 1937, cuando Margot y un grupo de amigos realizaron un viaje a México y Margot decidió no regresar con ellos a San Francisco, de donde habían partido. Margot rentó un lugar en la Ciudad de México en la calle del Chopo 139, y encontró empleo en un negocio de fotografía cuyo dueño era un fotógrafo alemán.

En el año de 1947 Margot fundó su taller en Taxco. Un par de años después del establecimiento del taller de platería “Margot de Taxco”. Un vendedor de una compañía americana productora de esmaltes arribó a Taxco, y afortunadamente, Margot tuvo la oportunidad de conocerlo. Ella quedó cautivada por ese material y de sus posibles aplicaciones sobre la plata. Como pintora, la idea de que ella pudiera trabajar con plata y color fue un reto provocador. Margot sabía que necesitaba un artesano con una mente imaginativa y brillante para formular la técnica y los protocolos de trabajo para la nueva producción. En 1949, ella y Miguel Meléndez buscaron a Sigfrido “Sigi” Pineda y lo animaron para unirse a su taller, “Margot de Taxco”.

Uno de sus trabajadores, el señor Jaime Quiróz, nos comentó lo maravillosa que podía ser Margot. Entre sus anécdotas, refirió el día en que Margot pidió que detuvieran el auto donde viajaban para poder dibujar una flor que había visto en el camino de la cual surgieron nuevos diseños. Jaime Quiroz fungía como vendedor de piso en aquel entonces, pero además, se encargaba de las ventas fuera de Taxco. Margot siempre regresaba de sus viajes con nuevas ideas. Ambos viajaron juntos al estado de Yucatán donde visitaron los sitios arqueológicos mayas de Chichen Itzá y Uxmal, y en el camino visitaron La Venta, el sitio Olmeca en Veracruz. Margot hizo infinidad de diseños de lo que encontró en este viaje.

Jaime Quiroz menciona que Margot siempre viajaba con una lupa, y que miraba la naturaleza tan cerca como un artista lo hace, entonces encontraba interesantes ideas para expresar forma y color en su joyería.

El maestro Melesio Rodríguez también trabajó con ella, originalmente le pidió trabajo de velador a los dieciséis años, fue, y con el tiempo se convirtió en el jefe de producción del taller. Melesio y su hijo –también llamado Melesio–, hoy en día continúan elaborando la famosa serpiente articulada esmaltada, diseño original de Margot, con el que obtuvieron el Galardón Nacional1 en el año 1954, la pieza original fue elaborada junto con “Sigi” Pineda.Margot 02 cyanCuando Don Melesio Rodríguez entró a trabajar con Margot era uno de los doscientos trabajadores con que contaban los dos talleres existentes. Inicialmente Melesio fue puesto bajo la guía del maestro Manuel Hernández en joyería de plata ya que era aún muy joven.

La serpiente esmaltada de Margot continúa siendo admirada y coleccionada. De acuerdo con su libro de instrucción, ahora en la Colección Spratling en The Latin American Library, Tulane University2. La serpiente esmaltada fue hecha de la cabeza a la cola, con veinticinco piezas adicionales al cuerpo.

De la Producción

La primera parte de la producción consistía en el troquelado o fundido a presión de la base de plata para el esmaltado. La plata utilizada para el esmaltado solía ser .980, es decir, 980 partes de plata por 20 de cobre, esto permitía que el metal fuera más suave y fácil de manipular con la prensa. “Sigi” Pineda supervisaba el siguiente paso, el más importante, el esmaltado de la base de plata, ninguna otra fábrica de plata había contratado mujeres para trabajar. “Sigi” decidió contratarlas ya que el esmaltado requería concentración y movimientos delicados de la mano.

María Elena Flores fue la primera artesana y Velarmina Palacios fue la maestra en la sección de esmaltado. En los últimos años, Vicenta Rodríguez fue maestra de esmaltado. Las artesanas aplicaban el esmalte de acuerdo a los diseños e instrucciones de Margot. El esmalte era aplicado con pinceles. Después de que las piezas eran pintadas y el esmalte se había secado, las mujeres podían introducir las piezas en uno de los dos hornos a una temperatura entre 750 y 900°C. Las esmaltistas solían usar además otra técnica, colocaban las piezas en una rejilla de metal y las calentaban por debajo con un soplete de gas. Una vez que el metal alcanzaba una temperatura suficiente el esmalte se fundía y se unía a la superficie.Margot 01 cyanEl espíritu de la experimentación prevaleció en Taxco durante ese periodo. Margot descubrió una “fórmula secreta” para el proceso de esmaltado: para los esmaltes policromados, Margot tenía que usar los granos más grandes de esmalte que mantienen su color después de la quema.

Según Melesio Rodríguez; el reto, al principio, fue establecer la profundidad apropiada del esmalte. Cuando el troquel3 era prensado en una lámina delgada de plata, se creaba una base de plata con lados o bordes elevados a la altura adecuada que coincidía con los contornos del dibujo diseñado. La función de las paredes se planteó para mantener en su lugar un color específico, separándolo de los diferentes colores contiguos. Los diferentes colores no podían ser pintados sobre la plata uno junto al otro, ya que se fundían al mismo tiempo cuando la pieza se calentaba. La altura de las paredes levantadas, entonces se convirtió en el primer desafío a la maestría y la técnica del esmaltador de plata. En su mayor parte, las líneas talladas en el troquel eran de entre 1 y 2 milímetros de profundidad, situación que traducida a crestas daba la altura de la misma dimensión, los troqueles en ese momento eran fabricados por Arturo Osorio.

Ciertamente no todos sus diseños tenían como componente principal el esmaltado a fuego, pero fue una de las más importantes creadoras de piezas esmaltadas a fuego de la época, diseñando piezas que más tarde serían fabricadas con la técnica de champ leve o grabado, para lo cual utilizaban troqueles, si bien su fuerte eran los trabajos esmaltados, miles de piezas sin esmaltar fueron vendidas con la marca de Margot de Taxco.

De los últimos días

Margot murió el 26 de julio de 1985, tras 34 años de labor en Taxco, diseñando piezas de joyería, hasta 1972 cuando cerró su fábrica. Muchos de los troqueles de los diseños de Margot fueron comprados por Manuel Quinto, Melesio Rodríguez y Benjamín Santarriaga. Durante los últimos años, Melesio Rodríguez ha comprado los troqueles donde los encuentra y tiene acumulada una gran colección que ronda entre las 700 piezas. Él, sus hijos y sus nietos han producido reproducciones de los diseños de Margot con la marca de la familia. Jaime Quiroz también trabajó el esmaltado años después de la muerte de Margot, marcó sus piezas de joyería con la denominación “Alba” en homenaje al nombre de su hija mayor.

1. Galardón Nacional fue un premio otorgado en esa época, en un concurso llamado Día de la Plata, y en donde el Juez del concurso era Guillermo Spratling.

2. The Latin American Library, Tulane University (New Orleans, LA) fundada en 1924 es una de las colecciones latinoamericanas más distinguidas del mundo.

3. También llamado matriz está destinado a cortar, puncionar o dar forma a placas metálicas utilizando una prensa manual o hidráulica.

Fuentes de consulta:

  • Morril. P. C. (2010) Margot Van Voorhies, The Art of Mexican Enamelwork Schieffer Publishing Ltd. Atglen, PA.
  • Entrevistas realizadas a los artesanos: Jaime Quiroz, Sigifredo “Sigi” Pineda y Melesio Rodríguez en Taxco de Alarcón, 2014 y 2015.

El autor es Profesor adscrito a la Facultad de Artes y Diseño Plantel Taxco de la UNAM.

El significado de los metales desde una perspectiva de las antiguas culturas andinas

CUT Javier 2 Cyan

Por Francisco Javier Jiménez Velázquez.

En la actualidad, se cuenta con un referente asociado al valor de los metales que marca, junto con el petróleo, las formas del poder político y económico de las naciones. De acuerdo con lo anterior, el oro, considerado como el metal precioso por excelencia, es el que, en el terreno de los metales, dicta la pauta, seguido por la plata, mientras que en un nivel muy por debajo de ellos se encuentran otros de uso común e industrial como el cobre, estaño, zinc y plomo. Los metales preciosos –valiosos por la escases de ellos en la naturaleza–, de acuerdo con varias concepciones que son compartidas por diversas sociedades, guardan para un sinnúmero culturas un valor de carácter significativo que está asociado a referentes cargados de cierto misticismo y poder.

De acuerdo con lo anterior, el oro es utilizado para la fabricación de objetos cuya carga simbólica está asociada a un significado trascendental. Por citar solo algunos ejemplos, tenemos que los anillos de matrimonio para el hombre resultan ser de gran valor en tanto este evento puede llegar a ser considerado, entre algunas culturas, como el momento más importante de su vida, como un rito de paso (para tal acontecimiento ¿qué mejor que estrechar un vínculo de mutuo acuerdo que por medio de un par de argollas de oro con el que logre sellarse un compromiso ante una ley divina o ante las leyes del hombre?)Javier 1 CyanOtro ejemplo es la asociación con valores de reconocimiento por medio de los que puede mostrarse el status que guarda un individuo dentro de una sociedad determinada. Cuando alguien se gradúa –independientemente de si lo hace de manera decorosa o no– el egresado hace referencia a tal hecho por medio de un anillo de oro que lo identifica como merecedor del grado que obtuvo –sin importar si, en el futuro, será o no un buen profesional. Aunado a estos ejemplos existen otros más: los relojes de oro, de los que exclusivamente hacen uso solo ciertos individuos con un gran poder adquisitivo; las medallas de premiación en los juegos olímpicos, etc. Con relación a otros metales, a la plata también se le ha dado un uso ritual a partir de su valor, después del oro por supuesto, y principalmente se utiliza para la elaboración de objetos litúrgicos.

A través de estos ejemplos podemos poner en contexto la importancia social que mantiene el uso de estos metales, considerados como preciosos, para poner en relieve su valor significativo y para, a manera de preámbulo, comprender mejor el significado que el uso de estos metales representó para las antiguas culturas andinas –grandes referentes, consideradas como las potenciales propulsoras del trabajo metalúrgico en nuestro continente.Para las antiguas culturas andinas el oro fue considerado como un metal sagrado que estaba relacionado con la energía creativa que venía del sol y que garantizaba tanto la supervivencia como la fertilidad y la abundancia. A través de la transformación artística, el oro trascendió de su forma terrenal para llegar a ser una tangible expresión de estatus de poder y la divinidad.Javier 2 CyanPor medio de descubrimientos y estudios arqueológicos se ha podido esclarecer la relevancia del oro, junto con la plata, y se ha identificado que solo la sociedad perteneciente a la clase alta podía poseerlo, es decir, solo los emperadores con su corte nobiliaria podían acceder a este. Los objetos encontrados en contextos funerarios, en las tumbas de ciertos personajes de alto status o rango, así lo sugieren.

Asimismo, existen versiones míticas que hablan acerca de ciertas diferencias sociales que quedaban establecidas por medio de los sentidos metafóricos asociados a las propiedades de estos metales. De acuerdo con lo anterior, una de las más importantes sugiere que la estirpe de los emperadores emergió de un huevo de oro mientras que la de la nobleza y la gente común de un huevo de plata y de uno de cobre, respectivamente.

Aunque la plata y el cobre fueron empleados regularmente junto con el oro, a la plata, contrariamente a lo que sucedió con el oro, se le relacionaba con la luna y consecuentemente con la feminidad y la fertilidad, particularmente se le asociaba con Pachamama, diosa de la tierra, también llamada Madre Tierra. Por su parte, el cobre por su “carácter de bajo estatus” era empleado para la fabricación de armas y herramientas, así como también para producir diferentes aleaciones para el mismo fin.

Un mito más sobre el oro está constituido a partir de la concepción que se tiene sobre este, en tanto es considerado como “el excremento de los dioses”1, de tal manera que al metal se le asociaba con un valor sagrado por lo tanto, los objetos hechos con el oro solo podían ser portados por los emperadores y por su corte nobiliaria, puesto que ellos se autonombraban como “descendientes directos de los dioses” –en grado similar al de un semidiós. Incluso se han identificado ciertos rituales, que en estas culturas se practicaban, los cuales consistían en que el emperador, llamado también cacique, era “bañado con oro pulverizado” en un lago sagrado. Esto representaba que el emperador había sido bendecido por los dioses. Los mitos se encuentran también dentro de antiguas culturas emergidas en lo que actualmente es Colombia, en ese país existe un lugar llamado “El Dorado” en donde se cree que se realizaban este tipo de ritos.Javier 3 CyanComo conclusión podemos identificar la forma en que se le ha dado uso a los metales preciosos en ciertas sociedades y el carácter en que en la actualidad se hace uso de ellos. Ambas, no obstante, ligadas a una cosmovisión o ideología particular, o bien a principios jerárquicos por medio de los cuales se definen roles específicos de carácter social.

1. En algunas culturas indoamericanas como la mexica, por ejemplo,…“el concepto de suciedad, excremento, excrecencia, no se empleaba de manera peyorativa, como se puede observar en el significado y uso de palabras [como] teocuítlatl, “literalmente, excremento de Dios; esto es, metal precioso (oro, plata)”
Flores Farfán, José Antonio y Jan G. R. Elferink, “La prostitución entre los nahuas”, en: Estudios de Cultura Náhuatl, Vol. 38, 2007, pp. 265 – 282, [p. 276].

Fuente de consulta:

  • Kauffmann Doing, Federico. Ancestors of the Incas. Forma e Imagen, Perú, 2005.

El autor es Profesor adscrito a la Facultad de Artes y Diseño Plantel Taxco de la UNAM.

El desarrollo metalúrgico precolombino

CUT Mocha - Metalurgía

Por Francisco Javier Jiménez Velázquez.

El oficio de la metalurgia ha sido para el hombre a través de la historia, no solo un medio que le ha servido para fabricar objetos utilitarios que le han permitido resolver sus necesidades primarias, esta actividad es también una de las de mayor relevancia que se pudiera considerar para el desarrollo social de todas las culturas emergentes en la humanidad. Es por eso que vale la pena hacer una revisión a fondo sobre este oficio y reflexionar sobre la importancia que este mantiene hasta nuestros días.

Por una parte, debemos considerarnos afortunados de contar en nuestro continente con una gran riqueza mineral que permitió la emergencia y desarrollo de grandes culturas que nos heredaron un extenso legado cultural en toda América. De norte a sur surgieron diversas civilizaciones que a su modo y obedeciendo a diversos intereses, desarrollaron el quehacer metalúrgico que, por sus aportes técnicos y estéticos, las obras que han surgido de tal quehacer han llegado a ser consideradas entre las mejores del mundo.Mocha - MetalurgíaPartiendo desde el origen, es necesario hablar a partir de la obtención del mineral en tanto a las primeras culturas no les fue difícil obtenerlo ya que se le podía encontrar de manera natural y abundante en el exterior, es decir “a flor de piel”, como coloquialmente se dice. En los inicios de la metalurgia se trabajó con metales puros –oro, cobre y plata–, utilizando el cobre para la creación de herramientas de uso cotidiano y el oro y la plata, por su maleabilidad y aspecto estético, para la elaboración de adornos personales y objetos con cierto valor simbólico. Posteriormente, de manera accidental, se descubrieron algunas aleaciones1 con lo que empezó a comprenderse sobre el comportamiento de algunos de los metales para mejorar, así, su aprovechamiento en la elaboración de diversos objetos.

En cuanto a los aspectos técnicos, es de reconocerse la creatividad y el enorme esfuerzo que le imprimieron los primeros orfebres americanos al tratamiento y a la manipulación de los metales. De acuerdo con lo anterior, con pocos recursos, explotándolos al máximo, los antiguos orfebres consiguieron alcanzar grandes logros. De la misma manera, con gran creatividad e ingenio elaboraron sus primeras herramientas utilizando como materia prima principal la piedra, de las que escogieron aquellas que por su dureza les permitieran conseguir herramientas de percusión y corte, básicas para efectuar las principales labores del tratamiento técnico, de la misma manera, improvisaron espacios específicos para el trabajo manual, con lo que surgieron los primeros talleres de producción.

El trabajo de la fundición, por otra parte, les permitió a los sudamericanos conocer las propiedades y cualidades de los metales. A este respecto, es digno de reconocer los alcances técnicos a los que llegaron los orfebres mochicas, cultura andina que prevaleció entre los siglos I-VII d.c. Si bien es cierto que todas las culturas andinas desarrollaron con maestría este oficio, la cultura moche sobresale de ellas en cuestiones técnicas de manufactura y sobre todo en aspectos ligados al perfeccionamiento que alcanzaron sobre los procesos de extracción de los minerales y al descubrimiento de ciertos tratamientos químicos metalúrgicos.Mocha - HornoDe acuerdo con lo anterior, los orfebres moches trabajaron con gran dominio el oro, la plata y el cobre, inspirados por sus cualidades de maleabilidad, en tanto metales nobles. Con ellos elaboraron una gran diversidad de objetos utilitarios y de uso personal. De la misma manera, con el incremento de conocimientos en procesamientos y tratamientos adquirieron el control sobre el plomo y el mercurio en combinación con algunos elementos reactivos como la sal común, el nitrato de potasio, el alumbre de potasa, los sulfatos dobles de aluminio, el sulfato férrico, el cloruro de sodio, antioxidantes, el carbón vegetal y la greda creando, así, los “baños dorados y plateados”.

Asimismo, los moches tenían un gran conocimiento sobre las técnicas de soldaduras, repujado, laminados, filigrana y vaciado –a través de moldes para los cuales utilizaban un barro con características especiales que les permitía obtener un buen registro consiguiendo la maleabilidad deseada para con ello perfeccionar el proceso que comúnmente se conoce como “cera perdida”.

A partir de la obra que dejaron estos antiguos orfebres se puede apreciar cómo es que aprovechaban las cualidades del material y cómo es que conseguían efectos a partir de sus improvisadas herramientas teniendo como resultado acabados tanto bruñidos como lisos. Además, analizando las marcas hechas por estas rústicas herramientas, por medio de las cuales se denota el trabajo manual en la obra con una fuerte carga expresiva agradable a la vista, se nos permite percibir el carácter del autor.

Con lo que hasta este momento se ha mencionado solo nos hemos enfocado en el comienzo del fascinante tema de la metalurgia y aunque actualmente se cuentan con altas tecnologías para la explotación metalúrgica, no puede dejar de reconocerse la herencia de los precursores de este oficio, cuyos conocimientos deben conservarse en tanto ellos han sido la base para el desarrollo de lo que algunos actualmente consideran como el arte de la metalurgia, ese arte del que se tendrá la oportunidad de profundizar aún más sobre sus técnicas y procesos en futuras entregas.

1. Una aleación es la combinación entre dos o tres metales para fines prácticos. Torres Della Pina, José. Plata, transformación en el arte precolombino del Perú. Primera edición. Editorial Industrial Gráfica S. A., Lima, Perú, 2002.

Fuentes de consulta:

  • Maiocchi, Danilo (2000). Inca, origins and mysteries of the civilization of gold. Marsilio, Venecia.
  • Torres Della Pina, José (2002). Plata, transformación en el arte precolombino del Perú. Industrial Gráfica S.A., Lima.

El autor es Profesor adscrito a la Facultad de Artes y Diseño Plantel Taxco de la UNAM.
Contacto: taurosfantasy@yahoo.com
(9 de febrero de 2015)

Esmaltado a fuego

CUT Esmalte 6759 01 BN

Por Alan Gómez Monjaraz.

El esmalte es un material vitrificable que, para que pueda adherirse a la superficie que lo soportará (dependiendo de su tipo) requiere de temperaturas que van desde los 750°C hasta los 1000°C. Para ello es necesario hacer uso de un horno, aunque en algunos casos se utiliza, también, el soplete. Tal razón determinará la calidad del brillo del esmalte.

El esmalte a fuego es un arte que tiene sus orígenes, alrededor de 1400 A.C.; principalmente en Persia, Egipto, y sobre todo en China. Posteriormente se dio en Japón y en la india. Alcanza su auge en el imperio Bizantino, durante los siglos X y XI. Luego se esparce por Europa, donde sobresalen los trabajos realizados en Alemania y, a partir de siglo XII, en Francia, de donde adquieren su nombre la mayoría de las técnicas que se utilizan hoy en día, por ejemplo la de plique a jour o la de champlevé.

De la fabricación del esmalte

Para la elaboración del esmalte se requiere combinar, en un crisol precalentado, ciertos materiales (tales como sílice, carbonato de sodio y nitrato de potasio) que se mezclan de acuerdo con cada fórmula que se tiene contemplada para los diferentes tipos de esmalte. Cambiando las proporciones de los minerales en la fórmula cambiarán las propiedades del esmalte (su punto de reblandecimiento, el punto de fusión y el coeficiente de expansión) Se pueden añadir pigmentos cerámicos al vidrio para controlar el color, por ejemplo, cobalto, verde cromo, cadmio. (Aunque muchos artistas a menudo dicen que son “óxidos” los que se combinan con el vidrio para crear color, algunos de los pigmentos orgánicos contienen oxígeno, en el óxido de cobalto por ejemplo, no tiene nada que ver con la producción del color.) Todos estos procesos requieren de limpieza, para no contaminar los esmaltes, así como el uso adecuado de equipo de protección.

De los tipos de esmalte existen:

  • Esmaltes para Joyería
    Dependiendo de la composición del vidrio, el esmalte puede ser claro, transparente, opaco, u opalescente. Los colores opacos bloquean completamente lo que hay debajo de ellos. Estos se aplican tanto a una superficie del metal como a otras capas de esmalte. El esmalte opalescente no es completamente claro. Su apariencia lechosa es similar a la de una piedra preciosa como el ópalo. El esmalte transparente puede ser completamente transparente o tener algún color.
  • Esmaltes industriales
    Son esmaltes que comúnmente se utilizan para recubrir muebles o equipos metálicos para evitar su oxidación, pero que recientemente han sido utilizados en el arte como un medio de expresión y son comúnmente soportados sobre fierro y acero.
Esmalte 6759 01 BN
El esmalte a fuego es un arte que tiene sus orígenes, alrededor de 1400 A.C.; principalmente en Persia, Egipto, y sobre todo en China.

De los metales a esmaltar

Puede aplicarse esmalte sobre metales diferentes, pero el más utilizado es el cobre, son usados, también, la plata, el oro y aleaciones de oro, hierro y acero. Cuando se calienta y se enfría, metal y esmalte se expanden y contraen. Si el coeficiente de expansión del esmalte no es inferior al del metal, el esmalte puede agrietarse o separarse del metal en forma de escamas. El punto de fusión del metal debe ser siempre mayor que la temperatura de cocción del esmalte, o el metal se derretirá cuando se funda el vidrio. Algunas aleaciones de metales contienen zinc, lo cual puede provocar errores o manchas en las piezas. El cobre es el metal más popular para usar el esmalte porque es barato, maleable, puede fácilmente ser cortado y formado y responde bien a un amplio rango de esmaltes. El cobre es excelente cuando se utilizan colores opacos. La plata fina es una buena opción para el esmaltado porque el color blanco del metal es brillante y reflectante, cuando es visto a través de esmaltes transparentes (el metal es 99.5% puro por tal razón su superficie no se recubrirá de óxido y su limpieza y pulido serán aún más fáciles).

Fuentes de Consulta:

  • Juaristi Sagarzazu V. (1933) Esmaltes: con especial mención de los españoles. Editorial Labor, Barcelona.
  • Darty L. (2006) The Art of Enameling: Techniques, Projects, Inspiration. Lark Books, New York.

El autor es Profesor adscrito a la Facultad de Artes y Diseño Plantel Taxco de la UNAM.
Contacto: aerealemaux@hotmail.com
(30 de septiembre de 2014)

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