{"id":4706,"date":"2019-05-17T11:22:47","date_gmt":"2019-05-17T17:22:47","guid":{"rendered":"https:\/\/revista925taxco.fad.unam.mx?p=4706"},"modified":"2019-05-17T11:22:47","modified_gmt":"2019-05-17T17:22:47","slug":"tradicion-e-inclusion-indigena-en-la-produccion-de-artistas-visuales-contemporaneos-mexicanos","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/revista925taxco.fad.unam.mx\/index.php\/2019\/05\/17\/tradicion-e-inclusion-indigena-en-la-produccion-de-artistas-visuales-contemporaneos-mexicanos\/","title":{"rendered":"Tradici\u00f3n e inclusi\u00f3n ind\u00edgena en la producci\u00f3n de artistas visuales contempor\u00e1neos mexicanos"},"content":{"rendered":"

Por Aida Carvajal Garc\u00eda.<\/strong><\/span><\/p>\n

Lo social en el Arte Contempor\u00e1neo.<\/strong><\/span><\/p>\n

M\u00e9xico, al igual que gran parte de los pa\u00edses de Am\u00e9rica Latina sufre graves problemas como: migraci\u00f3n, pobreza, marginalidad, violencia de g\u00e9nero y narcotr\u00e1fico, entre otros. Muchos de ellos han sido retomados como agendas sociales<\/em> por atender en el \u00e1mbito econ\u00f3mico, pol\u00edtico y social; sin embargo, en la agenda del arte contempor\u00e1neo mexicano, dichas problem\u00e1ticas est\u00e1n representadas por un sector muy reducido del Circuito Art\u00edstico<\/em>. Aunque curadores y galeristas reconocen que es necesario que el arte social est\u00e9 presente en galer\u00edas, museos y ferias de arte, los hechos nos indican que cada vez m\u00e1s el arte se aleja de la realidad social actual y se acerca m\u00e1s a las necesidades del mercado. A pesar de ello, la denuncia a trav\u00e9s del arte sigue siendo un nicho de acci\u00f3n desde donde artistas mexicanos contempor\u00e1neos proyectan sus pr\u00e1cticas art\u00edsticas al servicio de la sociedad.<\/span><\/p>\n

El presente texto se centra en la producci\u00f3n de cinco artistas visuales mexicanos contempor\u00e1neos que trabajan en torno a la inclusi\u00f3n de los pueblos originarios, sus tradiciones y cosmovisi\u00f3n.<\/p>\n

Claudia Fern\u00e1ndez, \u00c1rbol C\u00f3smico<\/em>, 2013, Instalaci\u00f3n<\/strong><\/span><\/p>\n

Licenciada por la Escuela Nacional de Artes Pl\u00e1sticas de la UNAM; beneficiaria, en varias ocasiones, con la beca de creaci\u00f3n art\u00edsticas otorgada por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Claudia Fern\u00e1ndez, 2013).<\/p>\n

En su producci\u00f3n, podemos encontrar desde t\u00e9cnicas tradicionales, como la pintura, hasta videoarte o instalaciones. En \u00e9sta \u00faltima disciplina, Claudia Fern\u00e1ndez ha podido desarrollar proyectos de \u00edndole social, como el estudio y difusi\u00f3n de la identidad cultural y est\u00e9tica de los pueblos ind\u00edgenas mexicanos, en particular, de los huicholes.<\/p>\n

El pueblo Huichol es muy conocido en las artes populares mexicanas por el uso de chaquiras de colores en sus ornamentos, pero, adem\u00e1s, posee una cultura muy rica en referentes crom\u00e1ticos[1]<\/a> y simb\u00f3licos inspirados en la observaci\u00f3n e interpretaci\u00f3n espiritual de la naturaleza.<\/p>\n

\u00c1rbol C\u00f3smico <\/em>es una instalaci\u00f3n compuesta por tres piezas: \u00c1rbol C\u00f3smico<\/em>, formada por un gran Ojo de Dios cuya estructura es una cruz de madera enterrada, en su base, por un mont\u00edculo de piedras; Tecorral <\/em>recrea un recinto rectangular formado por paredes de piedras de unos 70 cm de altura, tra\u00eddas del estado de Morelos; por \u00faltimo, \u00c1rbol de la Vida,<\/em> constituido por figurillas de artesan\u00eda de todo el continente extra\u00eddas de la colecci\u00f3n permanente de la UNAM\u00a0(Museo Experimental el Eco, 2013). Esta reconfiguraci\u00f3n simb\u00f3lica y est\u00e9tica pretende elevar a una categor\u00eda art\u00edstica (utilizando c\u00f3digos del arte contempor\u00e1neo) las artesan\u00edas, los rituales y los amuletos; en s\u00edntesis, busca resemantizar y estetizar la vida, cultura y cosmogon\u00eda de los pueblos ind\u00edgenas latinoamericanos.<\/p>\n

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Claudia Fern\u00e1ndez, \u00c1rbol C\u00f3smico, 2013, Instalaci\u00f3n.<\/figcaption><\/figure>\n

Maruch M\u00e9ndez, Las Tres Ni\u00f1as<\/em>, 2015, Instalaci\u00f3n escult\u00f3rica<\/strong><\/span><\/p>\n

Artista ind\u00edgena chiapaneca que s\u00f3lo habla la lengua mayense Tzotzil, lo cual no fue un obst\u00e1culo para dar a conocer su obra en varios estados de la Rep\u00fablica Mexicana, EUA y Europa (Galeria MUY, 2015). Polifac\u00e9tica, espiritual y m\u00edstica. Maruch alterna su labor como pastora, curandera, madre de seis hijos adoptivos y escultora.<\/p>\n

Recuperando la tradici\u00f3n prehisp\u00e1nica de modelar y cocer figuras antropomorfas de barro al fog\u00f3n, Maruch M\u00e9ndez nos narra a trav\u00e9s de sus teatrales representaciones, antiguas leyendas tzotziles transmitidas de forma oral (Montoya, 2015). Esto supone un testimonio valios\u00edsimo como recipiente y transmisor de la memoria hist\u00f3rica de los pueblos originarios.<\/p>\n

Las Tres Ni\u00f1as<\/em> es una instalaci\u00f3n escult\u00f3rica que personifica un viejo relato que narra la historia de tres j\u00f3venes que pastoreaban ovejas junto a una roca sagrada, donde deciden sembrar un \u00e1rbol, una palma y una piedra. A pesar de las advertencias de una voz, proveniente de un pozo, que les orden\u00f3 detener dicha labor, las ni\u00f1as continuaron al observar que todos los elementos sembrados crec\u00edan a una velocidad extraordinaria. Como castigo a su desobediencia, el pozo las convirti\u00f3 en cueva, piedra y roca ante el dolor de los padres que, al presentirlo, acudieron al lugar sagrado (Galeria MUY, 2016).<\/p>\n

Todos los personajes aparecen representados en una misma escena en lo que podr\u00eda parecer la maqueta del escenario de una obra teatral. La sencillez y austeridad formal contrastan con la expresividad y complejidad narrativa, brind\u00e1ndonos una materializaci\u00f3n llena de simbolog\u00eda de la cosmovisi\u00f3n de los pueblos originarios.<\/p>\n

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Maruch M\u00e9ndez, Las Tres Ni\u00f1as, 2015, Instalaci\u00f3n escult\u00f3rica.<\/figcaption><\/figure>\n

Lapiztola, Sembremos sue\u00f1os y cosechemos esperanzas, 2016, Pintura mural<\/strong><\/span><\/p>\n

Es un colectivo de arte urbano activista oaxaque\u00f1o formado por dos dise\u00f1adores gr\u00e1ficos y un arquitecto. Surgi\u00f3 en 2006 tras los conflictos ocasionados por la violenta represi\u00f3n que sufrieron los maestros del Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educaci\u00f3n durante el gobierno del presidente panista Vicente Fox, y que dej\u00f3 a Oaxaca inmersa en el miedo, la confusi\u00f3n y la impotencia ante el abuso de las fuerzas de seguridad del Estado\u00a0(Appel, 2016). El principal prop\u00f3sito perseguido por el colectivo era el de establecer un di\u00e1logo libre y sin fronteras con la poblaci\u00f3n urbana y rural de la regi\u00f3n. Problem\u00e1ticas del contexto socio-pol\u00edtico mexicano, como consecuencias del crimen organizado y de desapariciones forzadas de l\u00edderes pol\u00edticos y activistas, llevaron al colectivo a cubrir grandes extensiones de muros y vagones de tren con murales procesados con collages fotogr\u00e1ficos y plantillas\u00a0(Jones, 2015). Una caracter\u00edstica presente en la mayor parte de la producci\u00f3n art\u00edstica de Lapiztola, es la est\u00e9tica e iconograf\u00eda de la cultura y los pueblos originarios de M\u00e9xico. Es el caso del mural \u201cSembremos sue\u00f1os y cosechemos esperanzas\u201d, dedicado a la activista mixteca por los derechos humanos Alberta \u201cBety\u201d Cari\u00f1o, asesinada por un grupo de paramilitares en San Juan Copala, Oaxaca, en abril de 2010\u00a0(C\u00f3digo DH, 2015). La composici\u00f3n est\u00e1 protagonizada por una ni\u00f1a de rasgos e indumentaria ind\u00edgenas, que sostiene en sus manos un coraz\u00f3n del que florecen tres campanillas. Todos los elementos hacen referencia a la cultura y al folclore mexicano; como las flores de cempas\u00fachil, que remiten a los rituales de D\u00eda de Muertos o el cromatismo intenso, como el azul Coyoac\u00e1n<\/em>, heredados del M\u00e9xico Colonial. Sobre su falda aparece una leyenda que alberga parte de un discurso de Bety Cari\u00f1o, del que se extrajo la frase que le da nombre al mural. \u201cSembremos sue\u00f1os y cosechemos esperanzas\u201d es un manifiesto pol\u00edtico\/est\u00e9tico que pretende reivindicar a los grandes olvidados de la modernidad: la mujer, los pueblos originarios, las comunidades rurales y los pobres.<\/p>\n

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Lapiztola, Sembremos sue\u00f1os y cosechemos esperanzas, 2016, Pintura mural.<\/figcaption><\/figure>\n

Fernando Palma, Guex Liu, Kuu \u00d1unro Totlalhuan, <\/em>2017, Instalaci\u00f3n interactiva<\/strong><\/span><\/p>\n

Nacido en Milpa Alta, Ciudad de M\u00e9xico. Comenz\u00f3 su formaci\u00f3n como ingeniero industrial, complement\u00e1ndola con la licenciatura y maestr\u00eda en artes, desempe\u00f1adas en universidades del Reino Unido, donde residi\u00f3 durante largo tiempo\u00a0(SOMA, 2017). Gran defensor de la lengua n\u00e1huatl, el medio ambiente y la cultura prehisp\u00e1nica. Sus instalaciones escult\u00f3ricas son un h\u00edbrido de lo anal\u00f3gico, que hace referencia a lo ancestral, y lo tecnol\u00f3gico, a lo coet\u00e1neo.<\/p>\n

La exposici\u00f3n retrospectiva Guex Liu, Kuu \u00d1unro Totlalhuan<\/em>, tuvo lugar en el Museo de Arte Contempor\u00e1neo de Oaxaca y recopil\u00f3 las piezas m\u00e1s emblem\u00e1ticas de su trayectoria. En ella figuran assemblages <\/em>robotizados construidos con diversos elementos simb\u00f3licos de la cultura mexicana, como semillas, plumas y diversos retales\u00a0(MoMA, 2018). Fernando Palma nos hace reflexionar sobre la relaci\u00f3n existente entre lo tradicional y lo actual, utilizando conceptos aparentemente contrapuestos que parad\u00f3jicamente ensamblados, manifiestan una fuerte codependencia conceptual y est\u00e9tica: como el lenguaje ancestral y lenguaje inform\u00e1tico; lo est\u00e1tico y lo din\u00e1mico; lo sencillo y lo sofisticado\u00a0(Matias, 2017). Esta remezcla es testimonio de la hibridaci\u00f3n cultural a la que est\u00e1n expuestos los pueblos originarios en los entornos transmodernos, recreando ambientes que evocan escenas casi apocal\u00edpticas o dist\u00f3picas.<\/p>\n

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Fernando Palma, Guex Liu, Kuu \u00d1unro Totlalhuan, 2017, Instalaci\u00f3n interactiva.<\/figcaption><\/figure>\n

Laura Anderson Barbata, Intervenci\u00f3n: \u00cdndigo<\/em>, 2007-2011, Performance<\/strong><\/span><\/p>\n

Es una artista multidisciplinar que vivi\u00f3 sus primeros a\u00f1os en la Ciudad de M\u00e9xico y Mazatl\u00e1n. Ha participado en residencias art\u00edsticas y obtenido becas que la han llevado a trabajar en lugares como la amazonia venezolana, El Caribe o Noruega. Fue acad\u00e9mica en La Esmeralda<\/em> y en la actualidad reside en Brooklyn, donde confecciona y escenifica sus proyectos m\u00e1s recientes\u00a0(Laura Anderson Barbata, s.f.)<\/strong>.<\/p>\n

Anderson, muy interesada por la identidad cultural de los pueblos nativos, en especial de las comunidades afrodescendientes de Am\u00e9rica Latina, muestra adem\u00e1s un exquisito gusto por ennoblecer las peculiaridades de sus rituales, tradiciones e indumentarias. Creadora del t\u00e9rmino Transcomunalidad<\/em>, que utiliza para determinar un espacio p\u00fablico, sin fronteras, en el que la hibridaci\u00f3n y el mestizaje cultural generan nuevas identidades est\u00e9ticas e iconogr\u00e1ficas. Con ese concepto desarroll\u00f3 su trabajo Moko Jumbies[2]<\/strong><\/a>. Oaxaca y Nueva York <\/em>para el que cont\u00f3 con la colaboraci\u00f3n de artesanos ind\u00edgenas del textil inspirados en los trajes originales de los danzantes caribe\u00f1os\u00a0(Rollins Cornell Fine Arts Museum, 2016). Entre los a\u00f1os 2007-2011, realiz\u00f3 una serie de performances en Nueva York y Oaxaca en la que colaboraron una comunidad de zancudos afrodescendientes neoyorkinos, los Brooklyn Jumbies<\/em>, que desfilaron por las calles, portando los llamativos ropajes elaborados con anterioridad, acompa\u00f1ados de los Zancudos de Zaachila.<\/p>\n

\u00a0<\/em>Intervenci\u00f3n: \u00cdndigo<\/em> es su performance m\u00e1s reciente. Al igual que con Moko Jumbies. Oaxaca y Nueva York<\/em>, previamente, Anderson dise\u00f1\u00f3 un amplio repertorio de vestuario inspirado en La danza de los Diablos[3]<\/strong><\/a><\/em> de Guerrero, reiterando crom\u00e1ticamente el uso del pigmento color azul \u00edndigo. El azul \u00edndigo o a\u00f1il, es un color asociado por culturas antiguas a la espiritualidad, a la justicia y a la protecci\u00f3n; todo ello ser\u00e1 reclamado aleg\u00f3ricamente por las ra\u00edces afroindoamericanas a trav\u00e9s de una performance p\u00fablica por las calles de Nueva York, en la que nuevamente marcharon los Brooklyn Jumbies, ataviados con las vestiduras azul \u00edndigo (Ledesma, 2019). Danzas, textil y rituales, se apoderan del espacio p\u00fablico para reclamar su identidad ancestral y evidenciar la exclusi\u00f3n a la que al d\u00eda de hoy siguen afectando a las comunidades afrodescendientes.<\/p>\n

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Laura Anderson Barbata, Intervenci\u00f3n: \u00cdndigo, 2007-2011, Performance.<\/figcaption><\/figure>\n

\u00a0<\/strong>El car\u00e1cter de la denuncia social en la actualidad<\/strong><\/p>\n

Hoy podemos hablar de un arte de denuncia cada vez m\u00e1s inclusivo e interactivo, en contraposici\u00f3n al de per\u00edodos anteriores, definidos por un fuerte car\u00e1cter privado, elitista, individualizado y pasivo. La actual denuncia social se ha propuesto, en numerosos casos, apoderarse del espacio p\u00fablico acerc\u00e1ndose al ciudadano; por tanto, se ha hecho m\u00e1s espont\u00e1nea, m\u00e1s directa y m\u00e1s congruente con su naturaleza social.\u00a0\u00b6<\/span><\/p>\n

(Publicado el 17 de mayo de 2019)<\/span><\/p>\n

Fuentes de consulta<\/strong><\/span><\/p>\n